Chilenizacion de la fotografia

Carolina Redondo

2011-05-13T12:12:00.001-07:00

"POINT OF VIEW" http://www.carolinaredondo.com/

Mi trabajo incorpora una variedad de medios incluyendo fotografía, video e instalación. Mi práctica explora el ser, una presencia humana en relación al espacio. Me interesa la noción de in-betweenness of being, que se refiere específicamente al sentido de estar entre dos países, mentalidades y culturas diferentes - la chilena y la alemana. Unido a muchas formas sobre la experiencia de la migración e interculturalidad, me encontré viviendo en un espacio liminal, que se refiere a una condición espacial y temporal. Esto es una experiencia que evoca una transición donde todo está en un estado de cambio y transformación, donde la estabilidad está ausente. Este principio levanta preguntas sobre identidad, pertinencia, desplazamiento y sobre el sentido de lugar. Cruzando y testeando percepciones estéticas y ampliando mi investigación acerca del concepto de borde, analizo el paso intersticial de in-betweenness, donde el cuerpo está suspendido en un lugar de límites, presente y ausente. Ubicándome en privado, realizo efímeras performances que representan situaciones que aluden a Sisifo. También a una condición que se relaciona a deseos, miedos, fantasías y a una constante lucha. Incorporando materialidad al acto performativo, trabajo con conceptos de abstracción, contraste y camuflaje. Mi Obra reflexiona la dinámica del poder femenino, en acción y movimiento a través de diferentes superficies y capas. Me interesa describir encuentros entre la forma del cuerpo y entornos naturales –artificiales, estructurando y reduciéndolos a concretamente a formas y colores.

Intento hacer más tangible la experiencia de interculturalidad, percibiendo dualidades y contraposiciones - fuerzas que están en constante batalla. Busco conexiones, crear diálogos entre éstas fuerzas, y así encontrar un momento de certeza. El arte es un instrumento de descubrimiento no sólo para aproximar y articular mi propio espacio liminal, sino también como un modo de vínculo al espacio liminal existente en otros. Con mi trabajo busco un entendimiento de éste espacio liminal y generar cuestionamientos al conectar mi cuerpo, materialidad y entorno a través de gestos individuales visibles y activos.
El 2009 realicé una serie de trabajos incluyendo fotografías y video llamada Put Yourself Together. La serie fotográfica “Point Of View” fue realizada en la Isla de Pascua.

“El humano es una señal coloreada en el paisaje. Él puede derretirse con el entorno, él puede ocultarse en ello, y él también puede distinguirse de ello. La artista chilena Carolina Redondo investiga la integración, con la vida y la no vida en un ambiente peregrino”. Malina Opitz, Kölner Stadt- Anzeiger, Cologne.

Alejandro Olivares

2011-05-08T06:15:00.001-07:00

LIVING PERIFERIA

Isabel M. Martinez

2011-05-02T07:40:00.001-07:00

HORIZONTE (3)
http://www.immartinez.com/07%20-%20Horizon%28x3%29/H%28x3%29.html

En el proyecto Horizon (x3), mi intención es investigar el rol que juega el paisaje en nuesra percepción del tiempo, y explorar su línea del horizonte como la línea de tiempo en la se despliegan los eventos. Busco reconstruir los primeros momentos que siguen al encuentro con un espacio vasto. Miramos alrededor, planeamos de lado a lado y así nuestra mente forma una idea de paisaje. Pronto nos damos cuenta que la imagen está en constante cambio; el viento sopla, un pájaro vuela, las nubes pasan. Mi trabajo se concentra en composiciones elementales de agua y cielo, donde la línea del horizonte es clara y continua. Esta línea se convierte en el axis a lo largo del que se plasman los movimientos.
A través de yuxtaposiciones y el uso de capas, mis obras ofrecen una illusion de continuidad que evoca a la tira de película cinematográfica. La variedad de formatos en que el paisaje es fotografiado, otorgan un sentido de fragmentación y simultaneidad en la vista panorámica, esto me permite construir una noción de espacio que incorpora al tiempo como un elemento activo. Mi objetivo es explorar nuestro posicionamiento dentro de estos ambientes, para develar las narrativas implícitas y capturarlas a medida que se manifiestan. Texto I.Martinez.

Soledad Pinto

2011-04-20T06:12:00.000-07:00

http://www.solepinto.com/index.html
Ahora (2010), No Longer, not yet(2010),Now (2010),Landscapes Translations (2007).

Mis obras buscan la recuperación de atmósferas de territorios perdidos. Para ello realizo diversos ejercicios en los que yuxtapongo diferentes espacios, objetos e imágenes en un solo lugar, con el fin de explorar cómo estos desplazamientos revelan aquellos micro-procesos donde la solidez de los límites que orientan nuestra experiencia son desafiados de maneras casi invisibles.
La base de mi trabajo es la acumulación y ensamblaje de capas de tiempo y materialidad, producida a partir de medios como la pintura, la fotografía y la serigrafía. Siguiendo estas preocupaciones, mis obras recientes han abordado los temas del paisaje, ruinas urbanas y objetos en desuso.

Trabajos relacionados con el paisaje, tales como Infiltration (2009) e In Situ (2007), incluyen acciones de superposición y yuxtaposición que subvierten las connotaciones del espacio de exhibición. Estas obras exploran la firmeza simbólica de la tensión entre interior y exterior, al tiempo que proponen observar la ambigua colonización de un término sobre el otro. En este sentido, Infiltration (2009), por ejemplo, surge de la pregunta: ¿es el exterior el que penetra ilegítimamente la interioridad de la muralla o es el interior el que silenciosamente se escabulle hacia el afuera?
Nociones de traducción y reterrritorialización son el punto de partida para trabajos que utilizan serigrafía. En proyectos tales como Landscape Translations (2007) y Ruined (2009), utilizo la capacidad de producción del medio para reconstruir el espacio después de su reconstrucción visual. Estos trabajos apuntan a restaurar la materialidad de los espacios originales a través de la repetición masiva y acumulación de imágenes, llevando a cabo un acto de reterritorialización que metafóricamente vuelca el espacio de exhibición desde adentro hacia fuera.
Preocupaciones similares motivan Inside Out (2008), donde exploro más allá de la serigrafía tradicional, utilizando una técnica llamada “devore”. Haciendo uso de un químico que quema fibras específicas de telas mixtas, creo transparencias que permiten vislumbrar el espacio que hay detrás de la obra. La imagen final es un volumen que se construye por la oscuridad proveniente desde ese espacio y las fibras que permanecen intactas. Mi propuesta aquí es leer la superposición del espacio representado y del real como un “test” a los límites de ambos.

En proyectos recientes, tales como Ahora (Now) y No longer, not Yet (2010), exploro lo que he llamado la ‘ontología de la ruina’. Defino esta ontología como la ausencia del volumen original, una pérdida constitutiva que, paradójicamente, llama por su reconstrucción/re-invención a través de la exploración del movimiento inverso a aquél del deterioro. En estos proyectos propongo considerar la ausencia de fisicalidad en el presente como el punto de partida para la reconstrucción. La idea es invertir las dimensiones convencionales de tiempo y espacio que definen a la ruina como ‘pasado’ o ‘el sitio del cual la vida ha partido’. Me interesa revelar la particular ambivalencia de este lugar donde los límites se disuelven constantemente y en el que coexisten la presente presencia del pasado y el posible futuro del presente. Concretamente, estos trabajos utilizan fragmentos de edificios y objetos como modelos que gatillan la generación de nuevos volúmenes a través de la repetición, el pliegue y el ensamblaje de papel impreso (láser y serigrafía). Soledad Pinto

Fotografías de Nicholas Ian Jackson V.

2011-04-17T12:21:00.000-07:00

Serie: Lo de San Juan

¿Es posible fijar fotográficamente la identidad de algo? Este proyecto, fuertemente influido por la Nueva Objetividad Alemana, especificamente August Sander, busca capturar en el tiempo-espacio la identidad del pueblo de San Juan, ubicado en la isla de Chiloé.
Los pilares de este trabajo son fijos y se traducen en un idéntico método de aproximación a cada individuo que se encuentra en el camino: se tiene fé en un método, se deja libre a lo que se le aplica.
Lo de San Juan juega con la paradoja de la objetividad y cree que alejándose de lo en si se capta la identidad con mayor pureza: el orden tipológico entrega mayor información de los objetos. Este trabajo también cree en el retrato universal, modo de aproximación del arte visual que no solo se aplicaría a cuerpos y rostros humanos, sino a cualquier objeto: el acto fotográfico encausado como retrato guía todas las tomas.
Tomando como base estos fundamentos, Lo de San Juan levanta imágenes que hablan de los rasgos que una comunidad esboza en su pueblo, y quizás pueda, de algún modo, describir y proyectar la identidad de ese lugar. Texto Nicholas I.J.

Fotografías de Roberto Candia

2011-04-05T14:51:00.000-07:00

"PLAN B"
33 fotografías ejecutadas con un telefono iPhone 4.

PLAN B, es un ensayo fotográfico basado en aquellas cosas que la mirada somera no permite ver, de los días de espera, angustia, soledad y fe que las familias de los 33 hombres atrapados en la mina San José dejaron en el paisaje árido del desierto de Atacama tras el esperado rescate.
"Plan B", también es un acto de fe personal, por intentar plasmar en un relato diferente, sin más pretensión que la mirada interna a los sentimientos que esa montaña atrapó implacable y para siempre, pero que bajo la mirada superficial de los medios no permite escudriñar por tratarse de pequeños fragmentos que apelan a emociones individuales y no a la masividad que persiguen los reportes de prensa.

Este ensayo es una invitación abierta a descubrir los pequeños milagros que florecieron en la montaña y en el día a día de cada una de las familias que nunca dejaron de creer en la vida, aun así se enfrentaran a la inmensidad del desierto y a las mínimas expectativas de vida que el lugar entregaba.
Desde lo alto, se pueden divisar los caminos que aparecen como pequeños senderos sinuosos en medio de la majestuosidad del desierto de Atacama, senderos que persiguen alcanzar algún lugar, aunque a veces parecen sencillamente abrir un camino en vano.
Texto: Roberto Candia.

Fotografías de Cristobal Barrientos

2011-04-02T14:00:00.001-07:00

Serie: HOTEL

http://www.concepcionfotografica.cl/?cat=15

En la serie Hotel, se plantea una continuidad con la serie I’ll BE YOUR MIRROR, en donde se busca la representación ambigüa de una realidad que se plantea así misma como una visualidad esquiva y retenida por la indefinición de su significado. Las imágenes de Hotel buscan una atmósfera a partir de este quiebre, intentando crear un tránsito entre el recorrido visual de la imagen y el significante hotel” C.B.

Fotografías de Javier Alvarez Mackenney

2011-03-27T05:55:00.000-07:00

Series: Paisajes,Vacíos y Resistencias. (2008-2011)

Fotografías de Paloma Villalobos

2011-03-20T05:25:00.000-07:00

Serie: "El misterio me invade" (2008-2009)

Estas imágenes están realizadas a partir de escenarios que parecen ser parte de la naturaleza y de su accidentado devenir. Cada atmósfera está elaborada en el momento de la toma, sin manipulaciones posteriores al registro y con efectos creados por la iluminación y determinados elementos que, puestos al mismo tiempo, coinciden en un juego fotográfico. Texto: Paloma Villalobos

Fotografías de Paloma Villalobos

2011-03-10T13:53:00.000-08:00

"Anomalías de laboratorio"
(una fotografía revelada en diferentes laboratorios de Santiago), 2004.
Una imagen a partir de un mismo negativo o fotograma, revelado en más de 70 laboratorios distintos de Santiago sin ningún requerimiento especial, construyendo así un conjunto de paisajes dotados de múltiples fallas, errores y alteraciones.

“El paisaje marino inunda la representación de lo “artístico” en el espacio público-popular de Santiago; la venta de este “género” pictórico en la plaza de armas de esta capital, revela la determinación decimonónica y romántica del consumo de producciones simbólicas del gusto masivo. En nuestro espacio académico, el paisaje pictórico disputa con la fotografía el establecimiento de una identidad iconográfica plástica (disputa ya anunciada por Ronald Kay). En “Anomalías de laboratorio” Paloma Villalobos concentra estos y otros problemas. Lo masivo del soporte fotográfico simula un dominio sobre este sistema de representación: todos accedemos fácilmente a tomar fotografías; la técnica cada vez más compleja de la cámara simplifica la obtención de las imágenes, asegurando un resultado mínimamente satisfactorio. Desde aquí todos somos potenciales fotógrafos. El carácter democrático de esta práctica está supeditado a la condición técnica de esta imagen, el fotógrafo entrega parte del proceso fotográfico a un espacio intermedio que ya no es la cámara oscura (como dimensión incierta de la transformación espacial al plano fotográfico), sino el laboratorio. La doble reproducción técnica (más allá de las implicancias culturales que significó la aparición de la fotografía en occidente) -el disparo de la cámara y la copia del laboratorio- desbaratan al referente. Es decir, la distancia técnica, la doble mediación, anulan el carácter documental del “registro” fotográfico. Las sucesivas positivaciones de un mismo cuadro negativo-color que nos propone Paloma Villalobos, se revelan como alteraciones no advertidas en la supuesta condición democrática de la fotografía; esto implica un engaño del soporte técnico hacia el productor fotográfico, que tendrá como consecuencia cultural de la anomalía técnica la distorsión de la memoria. El encuadre de la toma deja en el margen la zona de tensión significativa: los barcos que componen esta fotografía tipo (muestra de los formatos comerciales) aparecen o desaparecen según el tamaño de la copia, libremente entran y salen del espacio fotográfico configurando un “fuera de campo” extravagante al lenguaje fotográfico. Finalmente, la inexactitud química del proceso de laboratorio impide una estandarización cromática de una misma toma. Lo que expone este trabajo es la pérdida inevitable de un espacio, de un tiempo, de una historia, que desaparece en el engaño visual de la imagen técnica fotográfica.”
Fragmento del texto Captura y Accidente de José Pablo Concha, acerca de la exposición del mismo nombre de Paloma Villalobos y Sachiyo Nishimura en Espacio Concreta del Centro Cultural Matucana 100, año 2004.
Texto completo en http://www.m100.cl/pdf/catalogo_concreta2.pdf

Fotografías de Carlos Avello

2011-03-02T14:02:00.000-08:00

Serie:"Límites Duros"(2010)

"Líneas periféricas y espacios significativos"
Un recorrido a vuelo de pájaro, por las intersecciones entre el crecimiento poblacional, la periferia y el borde de la riviera del Bío Bío en la región, marca un lugar de contradicciones , aislamiento y fragilidad frente al espacio determinado más bien predeterminado, donde los habitantes reconocen su lugar simbólico, como la cancha de fútbol, el pasaje de Pobla, la calle cerca o el atajo . Estos elementos de la vida en regiones (no sólo en Chile) hace cuestionar, desde la fotografía, como se cruzan caminos sin poder parar o intervenir los obligados trayectos de viajes , traslados o disposiciones cardinales, que los ciudadanos asimilan día a día, en una trama tipo Damero, forzada a expandirse hacia los bordes , empujando junto a las personas, los vicios propios de la modernidad urbana, que empequeñecen el espacio de recreación, la vista panorámica y la referencia amplia. Cómo habito, Dónde y Qué me empuja hacia los bordes, inquietan hoy en día a quien puede cuestionarse.
La fotografía aérea planteada, busca una toma que visualiza una panorámica territorial y desterritorial, ya que ese territorio forzado a poblar indica el tipo de vida que afecta a miles de personas, en cuanto a un paisaje de desecho industrial o un entorno natural ad portas de ser invadido, con réplicas espaciales sin distinción de entorno, conectividad o integración (como desterritorio o despropósito). Otro aspecto que conecta la propuesta con la toma fotográfica , el detalle en la expansión, y el habitante de estos barrios maquetas, es la constatación a diario que observo, de que las personas no poseen una visión global de su inserción urbana , más bien siguen un patrón de recorridos desde el barrio dormitorio, hacia los centros productivos y de abastecimiento sin comprender cómo fueron ubicados o instalados, por acuerdos a espaldas de quienes habitarán por 30 , 40 o más años de sus vidas en sectores que irán siendo cada vez más poblados e impulsados hacia los bordes , replicando también maneras de convivir, hacer una familia y educar en ese contexto desterritoriado que brota como forma de solución posmoderna .
El límite inmediato que indican las fotografías demuestra en detalle fotográfico un documento de límite exacto de desborde, hacia la naturaleza, como si ésta fuera una cáscara que se invade sin contemplación. Pareciera que el límite de esas viviendas niega el acceso hacia una visión de integración humana con la geografía que ofrece la región., ¿es posible que no nos demos cuenta de cómo crece la ciudad? ¿Por qué se repite en otras ciudades un patrón de habitabilidad similar? ¿cómo la fotografía de autor abre otra visión para el ciudadano común? Son preguntas que el proyecto Límites y bordes aéreos indaga en un proceso de cuestionamiento constante desde la convivencia vecinal hasta la percepción geográfica como documento fotográfico. Texto Carlos Avello

Fotografías de Rosario Ateaga

2011-02-21T13:28:00.000-08:00

Series: Montajes teatrales (2009) y Residencia Valparaíso (2010)

Fotografías de Leonardo Portus

2011-02-16T04:31:00.001-08:00

"Villa Portales, el devenir de una utopía"

Retablo que reproduce a escala la fachada poniente del Block Nº2 de Villa Portales en la Quinta Normal dando cuenta de la utopía constructiva de los programas de vivienda para sectores medios de la década de 1960. Convertida hoy en patrimonio arquitectónico, a pesar de su deterioro, se complementa con una serie de 72 fotografías de un catastro de álbumes familiares facilitados por el programa Quiero Mi Barrio del MINVU y el aporte de un grupo de vecinos por medio de la red social Facebook. Se añade a esta instalación, un texto con la definición de moderno entregada por un grupo de habitantes de la Villa, estableciendo contrastes entre la academia, la experiencia personal y las aspiraciones cotidianas. El fuerte sentido de pertenencia de sus habitantes y los relatos recogidos a través de los años, sirven como documentos de historia de la ciudad de Santiago en el siglo XX. (L.Portus y P. Zarate)

La relación que me produce Leonardo Portus en su instalación de textos, fotos recopiladas y tridimensionalidad, es una percepción que alude a aquella contemporaneidád de la obra (no como marcador temporal, no en literalidad) de la cual hablaba Hans Ulrich Obrist en su texto "Manifiestos para el futuro" donde explica
- "ser contemporáneo significa volver a un presente en el que nunca hemos estado para resistir a la homogeneización del tiempo a través de rupturas y discontinuidades. Esto significa que lo contemporáneo no es sólo aquello que, percibiendo la oscuridad del presente, agarra una luz que nunca puede llegar a su destino; es también aquello que, dividiendo e interpolando el tiempo, es capaz de transformarlo y ponerlo en relación con otros tiempos. Es capaz de leer la historia de forma imprevista, de “citarla” de acuerdo a una necesidad que no se plantea de ninguna forma desde su voluntad, sino desde una exigencia a la que no puede responder. Es como si esta luz invisible que es la oscuridad del presente hubiese proyectado su sombra en el pasado y así el pasado, conmovido por esta sombra, hubiese adquirido la capacidad de responder a la oscuridad del ahora."- extraido del texto "Manifiestos para el futuro" de Hans Ulrich Obrist.(M.A)

Fotografías de Nicolás Olivos

2011-02-03T13:58:00.000-08:00

Serie: "Registros"

Registros, es un proyecto que intenta desde la fotografía registrar a la sociedad chilena en sus ambientes, en este caso en dormitorios, salas de estar, baños o cocinas. Se busca destacar la escena en si, por sobre cualquier objeto, utilizando la iluminación que esté disponible y estudiando el comportamiento del sol durante los distintos tipos de estaciones en los que se ha desarrollado este trabajo. Una radiografía a la sociedad chilena usando la imagen fotográfica como soporte para ello.
En las fotografías, podemos encontrar distintos escenarios, habitaciones que destacan por su armonía en tonos, la pulcritud en adornos de figuras religiosas mostrando quizás la fe de un gran sector de la sociedad o habitaciones adornadas con dibujos de un carácter más pagano. Es que justamente eso es lo que somos los chilenos, una mezcla de distintas culturas.
Este trabajo es un antecedente que puede servir para conocernos un poco más en la diversidad. Entender como somos los chilenos, como es el comportamiento a través de nuestros espacios, el orden o desorden, la religiosidad o la herejía, quizás de esa manera podemos comprender algo de nuestra identidad. Texto: Nicolás Olivos Lagos.

Fotografías de Mario Fonseca

2011-02-01T04:33:00.001-08:00

Serie: "Territorios"
Playa - Picunche - Skyring - Ahauob -(1987-1997)
http://mfvvisual.blogspot.com

Mi trabajo con el paisaje se inicia al conocer Tunquén, en la V Región, hacia 1986. Este espacio de campo y mar, con su naturaleza apenas intervenida sino agrícolamente, e impensable en medio de los balnearios de la zona central, me produjo atracción a la vez que angustia por su fragilidad: hoy es imposible repetir las tomas que hice hasta 1992. Los resultados de los primeros registros me llevaron después a continuar fotografiando grandes vistas, primero en Magallanes, en las inmediaciones de los senos Otway y Skyring, adonde fui en 1988 y luego en 1995-96, y más tarde en la isla Laitec, al final de Chiloé, donde fui tomando fotos periódicamente de 1997 a 2007.

El tratamiento fuera de foco emula mi miopía, que eventualmente enfoca a medio metro de distancia y luego pierde el foco hacia el infinito. Su ocupación tiene tres motivos que se han ido precisando a través del tiempo. Primero, una metáfora del espejismo, de lo que parece estar pero probablemente no existe, o que más que seguramente pronto no existirá. Segundo, una alusión a la incapacidad de la fotografía de registrar la realidad, asunto que he trabajado permanentemente, en particular subvirtiéndola en sus alardes técnicos. Y tercero, mi nostalgia por la pintura, disciplina en la que fui formado, y cuyos conflictos apenas he podido eludir con la fotografía.

La selección realizada por Mane Adaro incluye tres imágenes tomadas en las entonces solitarias playas de Tunquén (c1986-87), con basura plástica traída por el mar desde los balnearios aledaños; una bandera picunche (=mapuche del norte, 1992), con los siete escalones que van del inframundo al cielo, bandera que diseñé en 1992 para izarla en Tunquén el 12 de octubre de dicho año, conmemorando los 500 años de la devastadora llegada de los europeos a América; dos grandes vistas tomadas en el seno Skyring en los días del paso del año 1995 al 1996; 1997) y tres piedras recogidas de las ruinas mayas de Yachilán, Bonampak y Palenque, Ahauob-tun (=reyes, en náhuatl, 1997). Las piedras evocan experiencias mágicas vividas en el proceso de conocer estos lugares. Texto: Mario Fonseca.

Fotografías de Elde Gelos

2011-01-27T10:18:00.000-08:00

Serie: "La vía húmeda"

Los primeros niños que vieron el promontorio oscuro y sigiloso que se acercaba por el mar, se hicieron la ilusión de que era un barco enemigo. Después vieron que no llevaba banderas ni arboladura, y pensaron que fuera una ballena. Pero cuando quedó varado en la playa le quitaron los matorrales de sargazos, los filamentos de medusas y los restos de cardúmenes y naufragios que llevaba encima, y sólo entonces descubrieron que era un ahogado”. Gabriel García Márquez / Fragmento de “El ahogado más hermoso del mundo” Texto: E. Gelos.

Fotografías de Richard Salgado

2011-01-25T10:18:00.000-08:00

Serie: "Álbum Familiar"

Fotografías de Andrea Carolina Ramirez

2011-01-21T02:38:00.000-08:00

Serie: Deconstrucción del Espacio Residual

Este trabajo fotográfico presenta una serie de espacios en desuso registrados en la ciudad de Santiago. En palabras de Fontcuberta estos espacios corresponden a “los nuevos modelos de lo fotogénico en el mundo postindustrial”.
La utilización de variados formatos y recursos fotográficos devela la construcción detrás de la fotografía, que en una primera lectura aparentaría no tener discurso crítico. Al entender la fotografía como una intervención sobre la realidad que mediatiza la relación directa entre el sujeto y el objeto, se puede afirmar que esta será una manera de persuadir y manipular el mensaje, debido a que es un medio técnico que ayuda a producir una interpretación filtrada por la subjetividad del creador y cargada de valoraciones. Al fotografiar espacios inútiles tanto para la economía vigente como para la conservación patrimonial, utilizando el registro metódico característico del archivo fotográfico como un recurso siempre condicionado por factores socio-culturales, se realiza una crítica hacia la misma actividad de archivo entendida como una disciplina que produce documentos oficiales.
Como imágenes icónicas estas fotografías representan simples espacios abandonados de manera descriptiva, sin embargo, les es inherente lo caótico y lo ominoso de la ciudad, el contraste que se da en esta, entre los espacios en desuso y el constante movimiento de la vida subyugada a la producción capitalista que lleva en su base una contradicción profundizada. Las industrias, fábricas y sitios eriazos (espacios residuales) sufren una descontextualización debida al estado de obsolescencia que los produce en un momento de transición de lo viejo a lo nuevo, por consiguiente, pierden el fin práctico para el cual fueron creados, sin dejar de ser propiedad privada. Estas construcciones fuera de funcionamiento, entregadas al deterioro y la destrucción inminente, han perdido su valor propagandístico de progreso, más bien remiten a las contradicciones del sistema económico y sus intereses.
Convivimos diariamente con lo errado de la ciudad transformado en cotidianeidad, lo que obliga a buscar en ella metáforas de lo imposible, alegorías en torno a la ciudad contaminada.
En este cuerpo fotográfico busco transformar la experiencia de lo común en un acontecimiento producido por la deriva, entendida como un recorrido transitorio a través de varios ambientes por la ciudad de Santiago. Este deambular permite reencontrarme con el azar y percibir cierta poética de la ciudad y del acto errante.
Al fotografiar espacios residuales se narra la historia de las contradicciones que encierra la ciudad, razón por la que estas fotografías buscan desligarse de la función conmemorativa, que sería la lógica del monumento como un material hegemónico de lo que es digno de ser recordado o formar parte de la historia oficial. Mis fotografías se alejan del monumento ya que indagan en el conflicto inherente del sistema capitalista actual: el progreso económico no es siempre sinónimo de bienestar social. Texto Andrea Ramirez

Fotografías de Mónica Nyrar

2011-01-19T14:45:00.001-08:00

Serie: "Ante mis Ojos, iñche azkintunieel", 18 fotografías.

El investigador Ziley Mora Penroz, en su libro “Palabras mágicas para reencantar la tierra”, advierte desde una mirada intercultural que uno no percibe una gran palabra ni con los ojos ni con los oídos, sino con un alma y un corazón a nivel de lo que es revelado, y con una conciencia esclarecida por una misma luz.
En la cosmovisión mapuche, tanto la oralidad como las representaciones artísticas no son la afirmación de su cultura, son un gesto; es el ser quién se pronuncia, es un canto originario y siempre latente, siempre vivo, la palabra es una consecuencia apenas de la existencia misma.
Así, la memoria subsiste y está escrita de cuerpo entero y en tiempo presente, es un lenguaje de raíces que se nos ofrece con generosidad, y con ternura.
“Ante mis ojos”, “Iñche azkintunieel”, no es un registro fotográfico, es un trayecto que nos remite otro gesto del que brota una ancestral premisa mapuche, “Refpiwke mew lelin”, ver con los ojos del propio corazón. Texto:Marcelo Munch. Escritor y documentalista

Fotografías de Rosario Ateaga

2011-01-19T12:27:00.001-08:00

Serie: "Tipologías de casas de muñeca"

Fotografías de Sachiyo Nishimura

2011-01-12T09:27:00.001-08:00

Serie: Extractos de la ciudad
www.snishimura.com

Durante los últimos 10 años he desarrollado mi trabajo artístico en torno al paisaje urbano, proponiendo una reconstrucción fotográfica sobre imágenes capturadas en diversas ciudades. Mi obra se ha enfocado particularmente en aquellos espacios urbanos anónimos, reconocibles pero no identificables. Espacios tales como estaciones de tren, carreteras, zonas industriales o bien ciertos objetos que componen el paisaje urbano tales como postes, cables de electricidad y telecomunicaciones, que a pesar de encontrarse en la gran mayoría de las ciudades su aspecto visual es bastante homogéneo y genérico.

A través de la plasticidad del medio de la fotografía monocroma, he elaborado un lenguaje visual basado en una serie de operaciones gráficas que modifican y reinterpretan la imagen capturada inicialmente. Hace cuatro años, la exposición “Esquemas de Composición” consistió en un cuerpo de obras que evidenciaba el proceso de reconstrucción fotográfica en fotomontajes anteriores. Paralelamente, comencé a desarrollar una serie de obras titulada “Paisaje/Ficción”, que consiste en una investigación visual que, modificando la información gráfica de las fotografías en diversas maneras, propone nuevas versiones imposibles o ficticias del paisaje urbano. Esta serie de obras continúa en proceso, y las obras “Paisaje/Ficción 12” (9 dípticos) y “Paisaje Ficción 13” (1 tríptico) corresponden a las últimas versiones de esta serie.
“Paisaje/Ficción 12” es el resultado de nueve combinaciones posibles entre tres imágenes fotográficas, cada una retrata una estación de tren en tres ciudades distintas. Las imágenes fueron obtenidas desde una perspectiva similar, manteniendo cierta homogeneidad en cuanto a composición. A través de la superposición, corte y variación de escala sobre las tres imágenes fotográficas iniciales, cada uno de los nueve dípticos expone un espacio ficticio que, a pesar de su imposibilidad en el espacio y tiempo real, representa una imagen familiar y reconocible, un espacio común dentro de la memoria urbana. Una estrategia similar fue aplicada en “Paisaje/Ficción 13”, un tríptico que expone una versión alterada de una estación de tren, distorsionando su composición panorámica a través de superposición, variación de escala y inversión horizontal de la misma imagen.

Si bien las obras “Paisaje/Ficción 12 y 13” son las últimas versiones de una investigación visual que he desarrollado durante los últimos 4 años, “Líneas 1” es el comienzo de una nueva serie que va en una dirección distinta, pero siempre dentro del paisaje urbano. Como punto de partida, “Líneas 1” se basa en una colección de imágenes fotográficas más bien abstractas, particularmente composiciones lineales que retratan una variedad de cables (eléctricos, telefónicos, circuitos de tranvías) en diversas locaciones urbanas. Teniendo la obra de Sol LeWitt como referente, en que se expone un número de variaciones de acuerdo a reglas pre-establecidas por el artista, “Líneas 1” es una serie de 2 polípticos, cada uno expone 30 combinaciones posibles entre 5 imágenes distintas. La simpleza de las composiciones lineales se va tornando cada vez más caótica y compleja a medida que aumentan las operaciones de superposición entre las imágenes iniciales. El carácter más abstracto de esta nueva serie pone énfasis en la plasticidad el lenguaje gráfico en su sentido más básico, abordando la fotografía como una herramienta para reinterpretar un elemento tan simple como la línea. Texto:Sachiyo Nishimura

Fotografías de Ricardo Chavez

2011-01-06T12:28:00.000-08:00

"Consumer Culture" Nako Tako Intervención
Trabajo realizado junto al artista Cheto Castellano.

Fotografías de Ricardo Chavez

2011-01-06T10:54:00.000-08:00

S/T

Estas fotografías fueron realizadas durante la 4ta Convención Internacional de Tatuajes y Arte Corporal 2008, en el Gimnasio Olímpico de la comuna de San Miguel.
Junto al fotógrafo Christian Demarco llevamos una iluminación de estudio al evento público, nos designaron un espacio entre escaleras de 3X3 Mts.
Con la iluminación cruzada, difusores de cortinas de baño y alguien tomando los datos, elegíamos un posible modelo, lo contactábamos y cada uno tiraba unas 4 fotos, fue un trabajo muy rápido y fructífero.
Tatuarse para ellos, imágenes y textos en la piel ,es escribir cartas abiertas explicitando en el cuerpo: como se ven a si mismos y como quieren que los vean, lo que son, lo que tienen, y lo que han perdido, odiado y amado.
De ahí que una cámara no sea vista como algo por lo que hay que ponerse nervioso, la fotografía repetirá y expandirá su individualidad.
Estos retratos de gente muy diversa en forma y discurso, están unidos por esa característica humana de elegir imágenes y textos que los representen e interpreten. Texto: Ricardo CH.

Fotografías de Cristian Maturana

2011-01-02T04:28:00.000-08:00

Serie: Salitrera Valparaíso
(Textos:Víctor Estivales -- Fotografías: Cristian Maturana)

La serie "Salitrera Valparaiso", hizo parte de la exposición Donde el Paisaje? del Festival de Fotografía FIFV en la ciudad de Valparaiso. Estas imagenes dan cuenta de las ruinas de aquella salitrera ubicada en la primera Región de Tarapacá, lugar que sirvió como utilidad económica y que se constituyó en un signo de migración, tránsito y muerte.
Cristian Maturana construye una reflexión comparativa de la presencia del hombre en los paisajes y en los lugares, donde el triunfo del deshabitar y el arraigo forzado, son los grandes referentes contemporáneos de las necesidades de supervivencia para la gran mayoría de la sociedad. (La historia y apogeo del salitre chileno, se remonta a 1884 hasta su decadencia en la década del 1920)M.A.

Fotografías de Mariana Gallardo

2010-12-30T14:48:00.000-08:00

"Pero el mar la devolvió" (basado en el caso de Marta Ugarte)

Las imágenes de Mariana Gallardo producen una escalofriante sensación al interrogarnos sobre la veracidad de la escena producida y reconstruida, ellas completan un fragmento de la memoria e historia acontecida en Chile en el año 1976. El título de la serie alude al desengaño y desenmascaramiento del asesinato de Marta Ugarte, publicado en uno de los periódicos más importantes de esa época como “crimen pasional”. Las imágenes resignifican un paisaje acostumbrado a la entrega del ocio y esparcimiento familiar, enfrentando la memoria visual a una nueva lectura estética y social. M. A.

Fotografías de Miguel Navarro

2010-12-21T03:47:00.000-08:00

De las series "Lo Prado, Mi comuna" y "Football amateur"

Fotografías de Jorge Aceituno

2010-12-06T05:22:00.001-08:00

"Con Agua de Cielo"

Había una playa larga y grande
un potrillo negro para amarte
y árboles para amarte...
Escondidos entre los árboles...
entre el silencio de la noche
entre el sonido de los grillos
parrillada de carne de grillos
para los amantes.
(Manuel y Tatan)

Con agua de cielo. Un viaje diferente por la historia de la pintura, fue un proyecto multidisciplinario de integración artística, que nació en 1992 hasta el 2002 como una exploración e investigación fotográfica, pictórica, literaria y educativa, realizada junto a jóvenes artistas con discapacidad mental y síndrome de Down del Centro de Capacitación Técnica Aquelarre.
Con agua de cielo (nombre propuesto por ellos), propuso un concepto de producción artística donde se integraba el mundo de la diferencia a la historia del arte, considerando a la fotografía como el eje creativo que permitió acercarnos a la sensibilidad de los excluidos, de los ciudadanos corrientes y marginalizados en su anonimato. *Las imágenes aqui presentadas corresponden a una fiesta de disfraces en que participaron tanto los alumnos del centro Aquelarre como sus amigos y parientes. * El poema es del taller de poesia realizado con los jovenes del Centro, por Paulina Valente.
http://web.uchile.cl/publicaciones/cyber/18/crea6c.html

Fotografías de Jorge Aceituno

2010-12-04T05:44:00.000-08:00

S/T

Estas mujeres pertenecen a la hospedería diferenciada del hogar de Cristo, y el objetivo primordial fue poner en sus manos, herramientas creativas como acceso a la imagen y la posibilidad de decidir y realizar una propuesta de creación, que usualmente tienen vedada por su situación de pobreza, abandono y condición psíquica.

En la experiencia desarrollé junto a mi equipo, una metodología de trabajo que condujera a una re- lectura crítica de las obras pictóricas, que los pacientes iban seleccionando desde los libros de arte, permitiendo que se apropiaran de ellas, y las interpretaran libremente desde sus particulares horizontes culturales.
En este mundo psíquico cualitativamente diferente al de la persona que circula por la calle, los productos creativos tendrían un valor proyectivo, ya que lo que ellos hagan en objeto fotográfico, será una proyección de su mundo interno, el autodiagnóstico iconográfico de alguien que en forma previa ha sido diagnosticado e interpretado como un cuadro pintado por un yo externo: el psiquiatra.
En este acto artístico – terapéutico de reposicionamiento de sus potenciales expresivos, cuyo límite es la inhabilidad de ser autovalente, la fotografía los pondrá en contacto con sus propias capacidades, fortaleciendo su confianza, autoestima y salud mental, como otra vía de acceso a los núcleos sanos del individuo permitiendo a los especialistas acceder con mayor profundidad al mundo psíquico de las personas “aisladas dentro de su locura”.

La fotografía para el paciente psiquiátrico opera como el primer espejo donde pueden reconocerse o no. Dentro de una función psicológica que ha quedado bloqueada, la fotografía vendría a ser el bastón de apoyo de algo que no está bien consolidado en el individuo: un yo escindido o muy debilitado.
Mi idea fue obtener junto a ellos, productos creativos no restringidos por formalidades académicas, donde los rangos de originalidad pudieran ampliarse.
Hice un trabajo fotográfico de las escenificaciones que los pacientes construyeron a partir de las reinterpretaciones y nuevas significaciones que le otorgaron a las pinturas. Jorge A.

Fotografías de Roberto Apablaza

2010-11-22T04:13:00.001-08:00

Serie: Pieza tres, cinco y seis

Rastros. La despedida aún conserva ―sin personas― sus vestigios humanos. Camas humanas, es decir, manchadas, sábanas solitarias, acostadas aún, a veces en posición fetal, tristes o nostálgicas: el mundo como lo que es, un papel arrugado. Inmiscuirnos, ser parte de la escena: ver, oler, oír las telas y palpar el sudor en las paredes, sin alterar el sitio del susexo. Control remoto que parece, de hecho, un dato remoto, prehistórico o futurista, anacrónico en suma, no algo, sino un ser de otra dimensión, abandonado en medio de un desierto extrañísimo: escena de sci-fi, capturada por el ojo de un androide invisible. Nos vigilan, te vigilo, vigilamos, pero a través de los rastros: ¿qué es la fotografía sino el intento de fijar un rastro que, cesado el “clic”, ha dejado de existir? Y deviene otra cosa, otra luz, otra oscuridad, otro silencio, otra voz. Apablaza sabe mirar y, al mismo tiempo, nos obliga a ver. Rastros que ondean, que parecen agua o arena, y que como tales se evadirán entre los dedos; para esto una imagen merece existir: para saber que la eternidad no existe. Texto K. Ramone
(escritor)

Fotografías de Cristobal Traslaviña

2010-11-11T06:57:00.001-08:00

Fotografías de Isabel M. Martinez

2010-11-08T17:24:00.001-08:00

http://www.immartinez.com/
"Fin de semana" (The weekend)

El tiempo es la estructura que previene que todo ocurra a la vez, otorga orden, es inalterable, inparable, implacable. Y sin embargo, seguimos deseando poder editarlo y reconstruirlo a nuestro gusto.

Y si pudiesemos, como con una cuerda, doblar el tiempo sobre sí mísmo y extrater la distancia temporal de entre dos puntos. Y si pudiésemos juntar dos eventos y surcirlos en un mismo incidente.

La fotografía permite seccionar el flujo del tiempo, haciéndolo maleable. No adepta de los días de semana, los he editado fuera, dejando sólo un ensamblage de sábados y domingos.

Momentos de ocio de fin de semana se unen en un mismo encuadre; las imágenes parecen temblar dentro la estructura de franjas verticales. Usando máscaras en cámara, mis trabajos se injertan en una simultaneidad que desafía la mirada; escenas aparecen juntas pero no fundidas. El tiempo y el espacio se disectan y empalman. Cortado y pegado, una nueva imagen de tiempo emerge; dual, paralela, bi-lateral. Texto I M.

Fotografías de Nicolas Wormull

2010-11-03T03:59:00.001-07:00

"Valpomylove"

Fotografías de Rosario Montero

2010-11-02T10:06:00.001-07:00

"Campamento de invierno"

Las imágenes de kioskos solitarios y herméticos, contienen algo cercano a un estado de vigilia y espera. Metafóricamente develan formas de uso que se transforman y mutan, en un proceso de adaptación al sentido de un nuevo paisaje, limpio, ordenado e impenetrable

Fotografías de Pablo Salvador Valenzuela

2010-11-02T08:54:00.001-07:00

"Altares Mestizos"

La serie Altares Mestizos, rescata espacios que se mantienen desconocidos a la vista de un público general. Oficinas, mesones de atención al cliente, pequeños negocios, configuran una arqueología urbana, rica en altares y ofrendas que nos muestran un estado sociológico de la ciudad y sus vivencias. Estos espacios son alimentados y nutridos con objetos de las más diversas características por sus locatarios y trabajadores, otorgándole vida y personalidad a aquello que creemos mantiene un tiempo detenido y una estética del pasado, pero que contrariamente, son espacios que dan prueba de una historia activa y diversa. M. A.

Fotografías de Pablo Salvador Valenzuela

2010-09-26T18:39:00.001-07:00

Serie: "Echo a manos" de Pablo Salvador Valenzuela

Fotografías de Kurt Petautschnig

2010-09-15T05:49:00.001-07:00

Serie: Residuos

La serie fotográfica “residuos” dialoga con la transformación que manifiesta la presencia de la civilización hoy, donde toma la forma de papeles, desechos, envoltorios, rastrojos, botellas, etc.

Las imágenes registran, muestran y evidencian el paso humano tras reuniones, carnavales y celebraciones, relacionando la huella y la memoria; -el rastro como presencia- eludiendo así la representación explícita del ser humano, pero reflexionando sobre la relación que establece con lo que deja atrás.
Residuos se articula desde la deconstrucción del instante decisivo, el llegar después, al final de la efervescencia. Texto: Kurt P.

Fotografías de Miguel Hechenleitner

2010-09-06T13:33:00.001-07:00

Kawésqar, Agua de la Patagonia

Los Kawésqar era un pueblo nómada recolector y habitaba un territorio que abarcaba casi toda la Patagonia Occidental, desde el Golfo de Penas hasta el Estrecho de Magallanes. Cazaban, para su alimentación al huemul, lobos marinos, nutrias, coipos y ballenas. Diferentes tipos de aves y mariscos completaban su dieta.

Hace algunas décadas, alrededor del año 1936 comenzaron a establecer, con más frecuencia, sus tiendas en Puerto Edén, antes “Jetarkte”, donde se instaló una base de la fuerza aérea de Chile, hasta quedar ahí asentados de forma definitiva.
La modernidad ha traído cosas buenas y malas a ésta comunidad indígena.
Entre las cosas buenas están la educación y la salud a la que hasta entonces no tenían acceso. Pero también ha traído la prohibición de cazar, de navegar libremente y la contaminación de las aguas de los canales hasta tener prohibido comer mariscos en periodos de alta contaminación por el peligro de la marea roja.
Con todo esto sus costumbres y cultura se han visto amenazadas y han debido cambiar su forma de vida por la de la cultura dominante. Los jóvenes han emigrado a las ciudades y los viejos van quedando solos. En Puerto Edén sólo quedan siete adultos que hablan su idioma nativo. Texto: M. Hechenleitner

Fotografías de Lister Weichafe Silva

2010-08-31T17:29:00.001-07:00

Serie: Colgados a la teta de Dios

Fotografías de Cristobal Barrientos

2010-08-27T05:30:00.001-07:00

I’ll Be Your Mirror (Seré tu Reflejo)

Como parte de la búsqueda por la reinterpretación de la forma fotográfica del retrato, este trabajo presenta dos líneas de proyección, en las cuales está presente la idea dual del retrato y el autorretrato. Ambas formas, fusionadas en una serie de 5 imágenes que muestra a la familia nuclear del autor, pretende ser un registro de la misma, respondiendo a la forma del retrato en cuanto aparecen figuras en un formato cercano a a la fotografía de identidad, pero que a su vez, niegan la identificación directa con el sujeto frente a la cámara. Al mismo tiempo el título del trabajo y el guiño físico de la presencia de un espejo en vez de rostros (que los reemplaza por un destello de luz, por lo inmaterial, lo onírico), es una referencia directa a la canción homónima de The Velvet Underground y a su vez, título que la fotógrafa Nan Goldin escogió para documentar su salida de una clínica de rehabilitación. Ambos trabajos apuntan a utilizar una forma artística (música, fotografía) con un discurso que consiste en la representación de uno mismo a través del otro. Tenemos aquí la visión que al autor tiene de si mismo, a través de su propia familia en conjunto con un retrato/registro de la misma. El reflejo del uno por el otro. Texto Cristobal Barrientos

Fotografías de Fernando Melo

2010-08-23T11:52:00.001-07:00

Formas de alteridad del espacio Natural. Sobre ríos y ruralidad chilena

Esta serie es un proyecto de registro-intervención en paisajes fluviales que reúnen condiciones de tiempo y distancia de los centros urbanos, podríamos señalarlos como territorios de periferia, no sólo por sus límites y distancias geográficas sino culturales. De cierta forma éstos territorios, los rurales, son mucho más que espacio físico, en éstos se conservan y mutan elementos culturales tales que se espera que el cuerpo de obra de ésta serie no sólo sea la imagen-producto, sino que bajo ésta subyace la experiencia producto de la permanencia y recopilación de información y testimonios que lo atestiguan como un espacio particular en lo cultural. Este es un proceso donde lo fotográfico y la densidad del territorio debieran coexistir.

Otro elemento, ya en un plano de motivación es trabajar con las conceptos y lugares que normalmente no se constituyen como tema y escenario de la fotografía contemporánea, obviando por supuesto el reportaje y lo documental, me refiero a lo rural y el folclor, manteniéndose éstos en las formas de recopilaciones y estudios etno-musicales por citar un ejemplo de campos de estudio, mientras la mayor parte de la producción fotográfica contemporánea sigue “encontrando “ o re-citando a éstas alturas del devenir del lenguaje fotográfico códigos ya casi masivos desde el paisaje urbano.

Este trabajo también busca explorar nuevos aspectos de la serie anterior
“ formas de alteridad de los espacios naturales “ buscando sentidos y agenciamientos ante el paisaje chileno de forma tal que este espacio no sea sólo escenario. En esta proyección convive no solo los efectos de alteridad radical en la materialidad natural que produce la línea dispuesta realmente en el espacio, sino también índices de latencia de “ lo rural chileno “.
Finalmente la “ densidad del territorio “ citado en él primer párrafo se manifiesta desde una coincidencia histórica que vuelve involuntariamente a resignificar la percepción del paisaje desde el arte y lo humano, la razón de esto es que las 4 imágenes editadas de la serie fueron realizadas en el sector rural de Puhaún, desembocadura del río Itata en la madrugada del 27 de Febrero de 2010 a 30 kilómetros al sur por la costa y a 1 hora y media la ultima toma del epicentro del megaterremoto. Texto: Fernando Melo.

Fotografías de Zaida Gonzales

2010-08-22T09:00:00.001-07:00

Serie:“Recuérdame al morir con mi último latido”.

Recuérdame al morir con mi último latido es un proyecto fotográfico que busca rescatar el retrato mortuorio, antigua tradición Latinoamericana y Europea donde los mortinatos (bebés muertos al nacer) eran retratados con sus familiares en escenas recreadas, ya que la muerte de un pequeño era una bendición. La familia quedaba protegida, porque el alma del infante pasaba a ser un “Angelito” que los cuidaría para siempre.
Esta tradición fotográfica se perdió, ya que fue prohibida por ser declarada insalubre; entre otros motivos; como el que ya no era grato retratar a los muertos debido a las guerras, dictaduras y tragedias mundiales, donde la muerte pasó a ser algo inmensamente doloroso.
El presente proyecto alude al retrato mortuorio, pero representado en un contexto actual, el de una sociedad consumista, individualista, tóxica, contaminada y acelerada, donde los bebés no son “ángeles hermosos”, si no que bebes desprotegidos, abandonados y deformes, cuyas familias recreadas y ficticias; a través de diversos elementos; dejan al descubierto nuestra pobre realidad moral.Texto: Zaida Gonzales.

Fotografías de Fabian España

2010-08-10T06:00:00.000-07:00

Serie: Solitaria Travesía

“Solitaria Travesía”, se ha transformado desde mi llegada a Santiago, en una manera de desenvolverme en la urbe capitalina. Gracias a la intuición he podido capturar situaciones de la vida cotidiana ya que el centro de la gran ciudad esta lleno de momentos memorables, y la fotografía es el producto final.
En el viaje que emprendo desde el sur de Chile, específicamente de la misteriosa región de Aysén, he ido descubriendo y registrando este nuevo entorno, incorporándose en una rutina de mi nueva vida diaria. Texto: Fabián España

Fotografías de Antonia Cruz

2010-08-05T15:08:00.001-07:00

Serie: Catalepsia

Es difícil -si no imposible- sustraer todo aquello que de la tradición subyace en el arte, donde ya no es solo la cita la que interviene la obra, sino la misma obra la que es intervenida para crear un nuevo cuerpo. La obra de Antonia Cruz se hace cargo de esta imposibilidad, y por medio del montaje fotográfico, reelabora el imaginario decimonónico de retratos de mujeres chilenas, fragmentadas, resquebrajadas y disueltas, hasta fundirlas con cuerpos sintéticos y cadavéricos. No hay un deseo de acceder a aquella unidad armónica, el todo se entiende en sus partes, como una suerte de disposición de elementos superpuestos en permanente descalce. El significado emana de aquella dislocación, una leve distorsión que resemantiza los cuerpos citados.
El retrato no es aquí más que fragmentos de un otro irreconstruible, una alteridad con tintes siniestros que nos inquieta en su onírica pasividad. La adición fragmentaria deviene una representación simbólica del cuerpo, creando un juego entre lo que se oculta y lo que se revela, una dualidad casi transparente en el ejercicio en que la fotografía deja de ser referencial para transformarse en una masa corporal, carne fresca, rostro ineludible de una historia latente.
Antonia Cruz nos enfrenta a la transgresión, al límite entre el desagrado y la pulcritud, naturaleza y técnica deforman y conforman el cuerpo hasta que éste pierde su individualidad, se trasviste y sobreviste en el gesto del montaje, como multiplicidad de superficies, transparencias y opacidades. La obra revisa las convenciones de la historia del arte como cuerpo inerte resquebrajado e invadido por el tiempo, la historia como cuerpo en el que se imprimen fragmentos de rostros olvidados. Texto de Constanza Robles S.

Fotografías de Gastón Salas

2010-07-30T07:04:00.000-07:00

Serie: La Memoria del Paisaje/ 21 Fotografías

Quebrada Del Buitre, Calama

A mediados de 1990, en pleno desierto, en un lugar llamado Quebrada del Buitre, ubicado junto al camino entre Calama y San Pedro de Atacama, se descubre una fosa con restos óseos. Todo indica que los fragmentos pertenecen a las 26 personas desaparecidas que estaban detenidas en la cárcel de Calama. Fueron ejecutadas en el Cerro Topater, a la salida de la ciudad. Allí la comitiva “Caravana de la Muerte” interrogó, masacró y fusiló a los 26 detenidos. Los cuerpos, luego del fusilamiento masivo, fueron llevados en vehículos militares hasta la Quebrada del Buitre para ocultarlos; más tarde fueron removidos y lanzados al mar desde un avión de transporte C- 47.
Las víctimas eran: Mario Argüelles Toro, Carlos Escobedo Cariz, Luis Alberto Hernández Neira, Hernán Moreno Villarroel, Carlos Piñero Lucero, Fernando Ramírez Sánchez, Alejandro Rodríguez Rodríguez, José Gregorio Saavedra González, Jerónimo Carpanchay Choque, Luis Alberto Gahona Ochoa, José Rolando Hoyos Salazar, Milton Muñoz Muñoz, Roberto Rojas Alcayaga, Carlos Berger Guralnik, Haroldo Cabrera Abarzúa, Daniel Garrido Muñoz, Luis Alfonso Moreno Villarroel, David Miranda Luna, Rafael Pineda Ibacache, Sergio Ramírez Espinoza, Domingo Mamani, Bernardino Cayo Cayo, Manuel Hidalgo Rivas, Rosario Aguid Muñoz Castillo, Víctor Ortega Cuevas y Jorge Yueng Rojas.

Cuesta Cardones, Copiapó
La comitiva de la “Caravana de la Muerte” aterrizó en Copiapó a las 19:00 hrs. del 16 de Octubre de 1973. El día 17, en horas de la madrugada fueron ejecutadas 13 personas que estaban detenidas en la cárcel de Copiapó. En un bando militar publicado en el diario Atacama el día 18, el Jefe de la Zona en Estado de Sitio informó de la muerte de las personas aduciendo que se había detectado un plan de fuga entre los prisioneros del presidio de Copiapó mientras eran trasladados a la Serena, información replicada ese mismo día en el diario “El Día” de la Serena.
Los sucesos ocurrieron en la Cumbre de de la Cuesta Cardones, a la salida de la ciudad. Horas después de su ejecución fueron enterrados por personal militar en el cementerio de Copiapó en una fosa común. Recién el 31 de Julio de 1990, en virtud de una presentación judicial, los cuerpos fueron exhumados y entregados a sus familiares para una sepultación definitiva y digna. Los detenidos que allí fallecieron eran: Fernando Carvajal González, Manuel Cortazar Hernández, Winston Cabello Bravo, Agapito Carvajal González, Alfonso Gamboa Farias, Raúl del Carmen Guardia Olivares, Raúl Leopoldo Larrávide López, Ricardo Mancilla Hess, Adolfo Palleras Norambuena, Pedro Pérez Flores, Jaime Iván Sierra Castilla, Atilio Ugarte Gutiérrez, Leonello Vincentti Cartagena.

Fundo El Morro, Mulchén
El día 5 de octubre de 1973 una patrulla constituida por militares, carabineros y civiles que se transportaba en caballos llegó hasta el fundo El Morro en horas de la tarde. Procedieron a detener a 5 campesinos en sus domicilios y los condijeron a orillas del río Renaico. Los campesinos eran Juan Labra Brevis, Domingo Sepúlveda Castillo, Edmundo Vidal Aedo, Celsio Vivanco Carrasco y José Yánez Duran. En el mes de diciembre, vecinos y familiares encontraron en el sector La Playita los cuerpos con impactos de balas y las manos atadas a la espalda con alambres

Río Bío-Bío, Quilaco
Numerosos testimonios entregados a la CNVR dan cuenta que desde el puente Quilaco sobre el río Bío-Bío fueron ejecutados 8 personas detenidas en septiembre de 1973 en el asentamiento “El Huache” y en Santa Barbara. Todas permanecían en la tenencia de Santa Bárbara. Los testimonios coinciden en que eran detenidos en conjunto por carabineros y civiles por una fuerza llamada “Colaboración voluntaria a Carabineros de Chile” . Solo algunos de los cuerpos fueron rescatados por sus familiares de las aguas del río. Las víctimas eran: Miguel Cuevas Pincheira, Sebastián Campos Díaz, Manuel Salamanca Mella, Julio Godoy Godoy, Desiderio Aguilera Solís, José Domingo Godoy Acuña, José Nazarino Godoy Acuña y José María Godoy Acuña.

Costa de Puerto Saavedra
En el mes de septiembre de 1973 fueron muertas 4 personas que habían sido detenidas en Puerto Saavedra, los hechos se produjeron la noche que llegó un contingente militar a la localidad. Los cuerpos sin vida fueron abandonados y encontrados pos sus familiares en la desembocadura del río Imperial y a orillas del mar, con numerosos impactos de bala. Eran los cuerpos de Francisco Curamil Castillo, Mauricio Huencoi Antil, Bernardo Nahuelcoy Chihuaicura y Francisco Porma Cheuquecoy

La Memoria del Paisaje
El paisaje posee un valor singular, en tanto constituye el escenario físico fundamental en el que se desarrollan la cultura y la historia y su percepción tiene una importante gravitación en el reforzamiento de la identidad nacional. La Convención Europea del Paisaje del Consejo de Europa realizado en Florencia el año 2000, definió que: el paisaje como representación de la naturaleza es una construcción de la imaginación que va conformando paulatinamente una memoria, y constituye una biografía de cada país, un testimonio en continua mutación.
Jean Francois Chevrier, historiador y critico de arte plantea que el paisaje como género fotográfico ha dejado de ser el teatro de la naturaleza (tal como en la mayoría de las imágenes del siglo XIX) o un campo de fuerzas activas (como en Weston o en los fotógrafos americanos del siglo XX) y se convierte en un lugar de una experiencia compartida entre una percepción de objetos tangibles y la sensación de un misterio inasequible.
Por lo tanto aquella concepción del paisaje como un lugar de belleza natural perenne, un sitio idílico para el esparcimiento o para el contacto con el origen y lo primitivo y la visión pintoresca de una tradición romántica acompañada por algunas pretensiones de nacionalismo y de oferta turística desaparece para dar paso y configurar un nuevo escenario, un territorio o espacio abierto que se deja observar y contemplar bajo otras perspectivas.
Las imágenes fotográficas tienen la capacidad de describir y de inscribir hechos y situaciones, poseen la facultad de otorgar sentido y significado; operan como documentos objetivos y como objetos subjetivos. Una cosa es reconocer objetivamente aquello que aparece en la fotografía y otra muy distinta es la activación de significados, sensaciones o memorias a que dan lugar en la mente del observador a partir de experiencias socio-culturales y valóricas.
En una imagen fotográfica lo visible designa lo que ya no está, se carga de lo invisible (Michell de Certau), así, la presencia constituye la evidencia de una ausencia. En este contexto las fotografías de paisajes, como conjunto de elementos objetivos contemplados por distintas subjetividades, se convierten en huellas naturales y culturales objetivamente presentes en cada territorio y subjetivamente en cada percepción. Entonces, los paisajes, los bellos y serenos escenarios naturales poseen un significado latente en su aparente condición que la fotografía tiene la capacidad de revelar …

En los paisajes de Chile se percibe una sobrecogedora carga oculta. También se advierte una misteriosa sensación de olvido y una inquietante tranquilidad que hace que la mirada sostenga la tensión de lo que se contempla ante nosotros.
Qué encubre el follaje del bosque y las montañas minerales? Qué ocultan las aguas de los luminosos ríos y la desnudez de los territorios marinos?
Los paisajes de Chile han sido testigos mudos, anónimos y sin memoria de graves y brutales atropellos a los derechos humanos. Cuántas historias permanecen ocultas y sin revelarse en los territorios de nuestro país? Cuántos espacios naturales, silenciosos y serenos, poseen un significado latente en su aparente belleza/pureza?
Este trabajo es una travesía. Es un recorrido de norte a sur por nuestros paisajes. Es un viaje que a campo traviesa va en busca de una parte de nuestra historia reciente, quizás la más horrorosa y cruel. En este camino trazado, no solo se registraron las imágenes de los paisajes, inevitablemente también, las experiencias concretas de hechos atroces, heridas profundas, algunas esperanzas y un cúmulo enorme de desesperanzas.
El paisaje natural, que tradicionalmente contiene las ideas de lo sublime y lo hermoso se confronta en este trayecto con la violencia de los sucesos. Así, en un mismo sitio se cruza, la belleza, el silencio y la calma con la crueldad de la masacre y la monstruosa brutalidad de la muerte.
Las imágenes de este trabajo desarrollan una propuesta visual desde el género fotográfico del paisaje utilizando una concepción sobre la imagen que fusiona la expresión artística (mas inmaterial y más atemporal) y la función del documento (mas concreta y objetiva). Se fueron construyendo lentamente bajo una mirada atenta y cardinal, una mirada que intenta hacer visible el olvido, que busca reflexionar sobre los hechos, el tiempo, la ausencia y la memoria, que traza con la historia un nexo espacio-temporal.
Si la imagen fotográfica es la huella que deja la luz sobre un soporte sensible, estas imágenes se transforman en la huella que los hechos dejan alojada en el alma: la memoria. TExto: Gastón Salas, Valparaíso, 2010

Fotografías de Nicolas Wormull

2010-07-26T07:19:00.001-07:00

Serie: "Alegría"

Fotografías de Rosario Montero

2010-07-22T06:27:00.000-07:00

Serie: "Ciudad ideal"

Las imágenes de la serie “Cuidad Ideal” retratan distintas viviendas pertenecientes a villas construidas bajo los parámetros modernos de la cuidad, tales como la eficiencia, serialidad y economía. De esta manera la serie aparece como documento social y retrato en ausencia de las personas que las habitan o las han habitado, presentando una forma de representar proyectiva, alejada de la concepción tradicional, que permite develar en la negación del individuo aspectos relevantes de la identidad del habitante del espacio fotografiado.
La fotografía surge a través de una sucesión de actos y acontecimientos pre-establecidos, apareciendo una manera de hacer que transita por toda la serie. La idea normada por las reglas impuestas es lo que se constituye luego en obra, componiendo un encuadre fijo, frontal y simétrico. Es así como en “Cuidad Ideal” el encuadre fijo no idéntico surge como una estructura estable que construye, a través de toda la serie, la especialidad de la escena. Con esto, es capaz de inscribirse y entenderse dentro de la historia de la fotografía a partir del movimiento de la “nueva objetividad” liderado por los alemanes Hilla y Bern Becher (1960), quienes buscan fotografiar elementos en un idéntico encuadre a modo de catálogo.
Es así como los procedimientos empleados para estas fotografías apuntan a objetivizar la toma. A través de un encuadre fijo y un trabajo de post-producción se busca generar una fotografía limpia desprovista de elementos dramáticos que la sobre signifiquen, conservando los objetos únicos y diferenciadores de cada una de las viviendas en relación a sus iguales. Texto: Rosario Montero

Fotografías de Pilar Castro Evensen

2010-07-15T17:50:00.001-07:00

Serie: "Capítulo" + otras series

Un mundo absolutamente femenino se ve en la fotografía de Pilar Castro. Mujeres en distintos roles y situaciones, donde cada una guarda un enigma.
A lo largo de la historia el mundo de la mujer se ha visto como algo complejo, que los hombres se esfuerzan por tratar de entender, donde finalmente la mujer sólo termina siendo un fetiche, una muñeca, que representa los torpes conceptos estereotipados que ellos ven, dejando al mundo femenino como un cliché de la fantasía masculina, minimizando a la mujer ya sea a su rol de madre o de amante. Pero de vez en cuando aparecen imágenes, hechas por mujeres que nos desengañan de esta falsa fantasía, no se trata de discursos feministas ni resentidos, sino de historias y lugares que develan un poco el ser mujer, ya lo hizo Cindy Sherman autorretratándose en distintos roles femeninos, jugando con los estereotipos, los lugares comunes y dándole ese aire enigmático y cinematográfico a su trabajo. Pilar Castro se acerca a esta línea, pero con un punto de vista mucho más actual, con una visión más delicada y muy minuciosa. Trabaja el autorretrato, pero no sólo se queda en él, sino que toma sus modelos y les da roles y personajes donde interpretan a una parte de este universo femenino. Existe en su trabajo la crítica al mundo moderno, donde la mujer debe cumplir con normas impuestas por la sociedad, en la cual debe ser delgada y verse bien, pero además ser una buena dueña de casa, y donde esta termina siendo absorbida por las tecnologías que le hacen la vida “más fácil” (los electrodomésticos que le permiten ser bella, ser eficiente en la cocina, limpiar la casa, o distraerse). Pero también sigue otra línea de trabajo, más intimista donde enigmáticos personajes son parte de lugares inventados, que no son otra cosa que el reflejo de su propio mundo interior, donde guardan sus secretos y sus historias. Texto: Camila Huerta

Fotografías de Esteban Arias Zúñiga

2010-07-09T13:28:00.000-07:00

Serie: Breviario de Madres

Desde el comienzo de las sociedades el valor estético por los objetos ha adquirido el grado de representarnos ante la masa, ya sea por estatus, canon de belleza, clase, generación, o simplemente estilo. Actualmente esta falsa idea de “lo individual” define al sujeto moderno, y nos ha relegado a identificarnos a través de objetos fabricados en masa, que satisfacen nuestra estética, reflejada en miles de vitrinas repletas de objetos dispuestos a ser consumidos, cerrando el ciclo a través del cual la cultura y la economía “democratizan el arte”, y logran que este se inmiscuya en la vida cotidiana, no como una supuesta experiencia estética, sino que como el simple efecto de algo bello.

Entonces si los objetos que nos rodean, son capaces de definir una condición social y generacional, ¿qué es lo que sucede acá en Latinoamérica? ¿Por qué confluyen dentro de la cultura latinoamericana tantas influencias y nociones, tan distintas unas de otras? ¿Cuáles son las bases que generaron estos escenarios? La Hibridación es el concepto capaz de aglutinar estas dudas, y señala a la mezcla cultural, entre el folklore, lo religioso (barroco) y lo kitsch de la sociedad de masas Latinoamericana, junto con su idiosincrasia y su aspiración.

En Santiago de Chile, las casas son mayoritariamente organizadas por las mujeres y es la dueña de casa quien establece una coherencia estética dentro de su vivienda.
Junto a estas premisas he decido elegir un punto neurálgico, para centrar y sintetizar estas características, este lugar es el “living” termino extranjero para denominar lo que vendría siento la sala de estar, y que traducido seria “viviendo”. Allí en este cuarto es donde se muestran las familias a las demás personas, es donde coleccionan sus recuerdos, sus fotografías y artículos que los identifican, que los unifican como grupo, y precisamente es este el lugar en donde más objetos con gran valor emotivo podemos encontrar. Texto: Esteban Arias Zúñiga

Fotografías de Pablo Salvador Valenzuela

2010-07-06T06:28:00.001-07:00

Serie: Relaciones de Espacios; Nostalgia de Identidades Pasadas
http://cargocollective.com/pablovalenzuela#

Esta serie compuesta por más de 40 imágenes, pretende plantear por medio del retrato de escenarios y objetos que contienen estéticas de épocas pasadas, la problemática de la extinción y la nostalgia, como un inevitable devenir dentro de los procesos de hibridación y modernización de la humanidad. La sobre/aceleración de los tiempos y la filosofía comercial de lo “desechable”, genera una vorágine de objetos que se van reinventando constantemente, provocando que nuestro imaginario estético se vaya modificando a la misma velocidad. Proceso que va dejando esferas de vacios y desapariciones materiales, sitúando al objeto como un artefacto de nostalgia. Esto nos hace reflexionar acerca de la importancia de la memoria y de cómo nos enfrentamos a las transformaciones sociales. Texto: Pablo Valenzuela Álvarez

Fotografías de Manuel Ormazabal S.

2010-07-04T05:54:00.000-07:00

Serie: La Nueva Enciclopedia Visual

Este proyecto se erige como un viaje por los cementerios de la provincia de Copiapó, con una carpeta llena de recortes sacados de álbumes y folletos coleccionables de carácter enciclopédicos, de esta manera era trabajar con un material del ámbito escolar, es decir recortes utilizados por los escolares básicos para sus tareas de naturaleza e historia. Entonces este viaje permite hacer participe de estas tareas del conocimiento escolar a los muertos, digamos restablecer una relación con el otro desaparecido como si fuera ya parte también de una memoria o conocimiento universal, sueño o pesadilla del iluminismo enciclopedista, pareciera, sin embargo creo que la serie constituiría un contra sentido de ese sueño totalizador, ya que se reconoce en ese dialogo de los recortes con la foto de los muertos, un elemento poético-mítico tan oscuro como transparente, digamos un imaginario que intenta la correspondencia de imagen y texto o de imagen e imagen lugar, en un vacio del sentido utilitario del recorte escolar y el objeto fotográfico, el retrato del muerto con sus reminiscencias siempre mágicas y nostálgicas. Así se buscaría una nueva fuente de signos generada por esta unión en alguna medida bastarda. Lo que ocurre es decir el producto visual me parece siempre insospechado, como la creación de un ente, un Frankenstein, un Golem, un ser que adquiere dimensiones terribles y bellas a la vez, con la ingenuidad de los monstruos de infancia que nos ayudaban a ver un mundo siempre fantástico e infinito, mundo que se nos negara sistemáticamente en favor del control racionalizado, la coherencia y la mesura del individuo integrado.
Debo confesar de todas maneras que un principio, esta serie fue realizada en un estado de imaginación desatada, éxtasis en algunos momentos, sin una conceptualización previa de nada, solo recortar textos, imágenes, viajar mirar e instalarlos en una lapida a un costado de la foto de un finado (o la ausencia de esta), un ejercicio de simple intervención dirían algunos pero con el sabido riesgo de provocar la furia de los guardias, por el posible contenido sacrílego del acto. Sin embargo con la secreta sospecha de percibir en su resultado un nuevo relato, un universo alegórico otro, por decirlo en términos “formales”. Pero como se puede apreciar era muy relevante la teatralidad del viaje, el riesgo, el estar en los cementerios y realizar la intervención. El resultado visual debía hacer notar esa experiencia, lo que hace reconocer la facultad de lo provinciano de remitirnos siempre a lo anacrónico - arcaico. De esta manera este trabajo para un contexto fotográfico de sofisticación tecnológica, podría aparecer como un derroche energético inútil, atemporal, sin embargo ese derroche finalmente acusa un elemento sacrificial, LA PEREGRINACION Y LA OFRENDA, que de alguna manera mi proyecto no pudo feliz o fatalmente… evitar. Texto: Manuel Ormazábal Soto

Fotografías de Cristobal Traslaviña

2010-06-28T09:04:00.001-07:00

Como Documentar el mundo sin renunciar a asumir una posición,la mía propia, en este mundo?

Cristóbal Traslaviña propone una visión desde su propio mundo, en sus palabras se plantea la noción de “capturar un mundo salvaje, de desarraigados sin domicilio”, evocando y reflejando sentimientos de exterminio, desalojo y miedo a la contingencia actual.
En este caso Traslaviña lo representa desde su cotidianidad, en espacios reducidos, fallidos y oscuros. Esa hostilidad/afabilidad que nos plantea el autor en su serie, nos obliga a renunciar al concepto e idea de una sociedad tradicional, enmarcando la representación de una posible contra cultura, más allá de lo establecido de este mundo conservador, donde la exploración de fronteras desconcertantes son continuamente negadas.
La obra de Traslaviña nos recuerda a la obra de Boris Mikhailov en Case History, en esta serie el autor ucraniano, nos relata los devastadores momentos de decadencia, donde un grupo de sujetos son expuestos al despojo de sus cuerpos mutilados por la pobreza.
Los residuos del mundo de Traslaviña son similares y opuestos a la obra de Mikhailov, aquí el autor ha pagado para que sus protagonistas posen y teatralicen las atrocidades de su mundo, en la serie de Traslaviña, se presentan momentos cotidianos desprovistos de las formalidades sociales a las cuales estamos acostumbrados y los retratados no actúan, simplemente viven.
La pose, según Barthes, es la transformación activa del sujeto, donde lo perfomativo juega un rol fundamental en la apropiación del otro yo, creando una ficción, un montaje corporal irreal, los personajes de Traslaviña desactivan la pose, donde esta pierde su sentido de alteración de un nuevo yo, la performance representada en esta serie, está sujeta a una norma cotidiana, donde devela momentos llanos porque la cámara está inmersa en el momento de la acción.
Marta Rosler, presentaba una performance pública, haciendo de su propio cuerpo, el texto viviente en la acción. Los sujetos en la obra de Traslaviña representan ese cuerpo viviente, el texto que se escribe, que va develando la liberación de un mundo que no vemos.
¿Como clasificar un mundo tan privado, autobiográfico sin cruzar fronteras vacías y silenciosas de la noche? Didi Huberman plantea que una mirada sin forma, es una mirada ciega, una mirada supone la implicación , en ese sentido, el espectador al mirar la serie debe involucrarse para poder entender que las imágenes tienen un lenguaje sublime.
El autor se cuestiona la imagen como documento, su fotografía, así como su propuesta critica ante una sociedad conservadora, él irrumpe y quiebra este clasicismo, entregando respuestas directas al espectador que observa.
Si la imagen es memoria, entonces la serie de Traslaviña es la colección de un mundo (Susan Sontag-2007) fronterizo, olvidado en la sube alteridad de lo minoritario. Texto: Montserrat Rojas Corradi

Fotografías de Nicolas Wormull

2010-06-24T20:17:00.001-07:00

Serie: Transito

Detrás de las puertas cerradas de los hogares, hay mujeres que viven violencia de parte de su pareja o familiar cercano. Muchas veces ellas no denuncian por vergüenza o miedo, y cuando lo hacen, no las toman en serio. La violencia del hombre en contra de la mujer se puede definir como el escándalo más grande de los derechos humanos en nuestros tiempos.
La Casa de Acogida Tragün -perteneciente al Hogar de Cristo- se crea en diciembre de 1998, a partir de la necesidad de acoger y proteger a mujeres e hijos que viven violencia intra familiar grave y crónica. Durante varios años ha sido la única casa de acogida en la V Región, y a la fecha se han atendido alrededor de 200 mujeres y 400 niños y niñas.
La estadía en Tragün es de alrededor de 8 meses, y en este lapso se pretende otorgar un espacio de acogida, protección, reflexión, de toma de conciencia y recuperación emocional, en la búsqueda de una inflexión decisiva en el ciclo de la violencia.
La exposición Transito es una ojeada a la vida diaria de mujeres que no son victimas, sino sobrevivientes. Texto: Nicolas Wormull.

Fotografías del Colectivo Concepción Fotográfica

2010-06-22T07:26:00.001-07:00

Serie: DE Hechos

Fernando Melo

Manuel Morales

Nicolas Saez

Jorge Pasmiño

Claudia Inostroza

Sady Mora

No digo mapa, no digo territorio. El arte es una práctica continua y permanente, una conversación en la que participan imágenes, textos y fragmentos (Marta Rosler)
Las imágenes en esta exposición son el texto mismo.

La exposición De-hechos, alude a un juego de palabras, “de hecho” como de “desechos”, confundiendo el eje central de la muestra: la imagen como documento y registro de la realidad, o la imagen como significante del olvido. El Colectivo Concepción Fotográfica, nos retrata una muestra geográfica que el 27 de febrero del presente año desapareció. Mirar y caminar por la VIII región ya no es lo mismo. Las imágenes en esta muestra representan los cambios y transformaciones del campo geográfico y social desde una visión crítica a los medios de comunicación que anularon la experiencia del dolor, la reflexión y la memoria de varias regiones afectadas por el terremoto y el maremoto que azoto nuestro país. De-hechos representa el texto, el cuerpo, la reflexión y la experiencia de lo ocurrido. Imágenes que aluden a “El camino, el sendero, la única vía de escape que permitió salvar vidas” (Fernando Melo), “El silencio de los espacios y territorios tras el caos” (Sady Mora), y fotografías que “Re significan los símbolos patrimoniales urbanos que desaparecieron” (Nicolás Sáez), son sólo algunas de las frases/imágenes en esta exhibición. Texto: Montserrat Rojas Corradi

Fotografías de Nicolas Wormull

2010-06-10T09:47:00.000-07:00

Serie:Forzados a emigrar
www.nicolaswormull.com

El 27 de febrero de este año, un terremoto de una magnitud 8,8 grados afectó a Chile, uno de los terremotos más fuertes jamás registrado en la historia. Pueblos y aldeas enteros de la costa fueron arrasadas por un tsunami causado por el sismo causando la muerte de más de 400 personas.
Ahora la gente se ve obligada a emigrar a las ciudades como consecuencia del terremoto. Pueblos prósperos de pescadores que tenían el turismo como una fuente importante de ingresos han sido completamente destruidos, y un duro invierno y húmedo en donde la temperatura puede bajar hasta 5 grados Celsius está en camino. Gran parte de la población de las aldeas se ven obligados a partir hacia las ciudades para su supervivencia.
Las autoridades chilenas estiman que más de 2 millones de personas se han visto afectados por este desastre natural. Texto: Nicolas Wormull.

Fotografías de Mariana Gallardo

2010-06-02T11:13:00.001-07:00

Plastic Love y otras series
http://www.wix.com/gatojazz/MarianaGallardo

Imagen, fetiche, cuerpo.

Hace ya bastante tiempo que, dentro del campo de las especializaciones culturales, ha pervivido y se ha familiarizado el concepto de estetización. Concepto que, surgiendo ya avanzada la primera mitad del siglo XX, vino a caracterizar las producciones culturales de la sociedad posmoderna, para luego definir ya no sólo sus producciones sino a la sociedad misma. Es así como hoy se identifica nuestro tiempo con una “estetización globalizada”, o nuestra realidad es descrita como una “estetización del mundo contemporáneo”. Podemos rastrear la concreción contemporánea de aquella estetización de la vida en la “industria de la imagen”. No es sino en la producción y explotación de la imagen, ya sea comercial-corporativa o de identificación individual o colectiva, que toma forma la estetización de manera tangible.
En un mundo dominado por las comunicaciones massmediáticas, es la industria del espectáculo quien se hace cargo de la estetización; ya sea elaborando las imágenes que consumirá la masa, o absorbiendo para sí cualquier imaginería individual. Para llevar a cabo lo anterior, se le impone un “valor agregado” a lo que en toda actividad humana se movía y desarrollaba de manera natural, confiriéndole a lo mundano un valor intangible. De esta forma la vida, la realidad social, se convierte en la mercancía del espectáculo.
Ahora bien, si la posesión de la actividad humana es lo que pretende y vende la sociedad del espectáculo, es decir, mercancía sería la presentación material-sensible de aquello intangible, la sociedad convierte la imagen en fetiche. Es la masa quien transforma una imagen, nacida como única, en un estereotipo, permitiendo que la realidad sensible sea dominada por imágenes vacías; por cosas suprasensibles devenidas en objetos.
Mariana Gallardo, en su serie fotográfica titulada Plastic Love, nos ofrece la presentación visual de lo expuesto con anterioridad, a través de la síntesis que tiene por finalidad el proceso de estetización, a saber, el cuerpo que deviene objeto. La serie de fotografías exhibe presunciones del lenguaje publicitario y estrechas relaciones al Arte Pop; vislumbres de un habla que se filia a la producción conciente y deliberada del fetiche, de la imagen-objeto que existe para ser consumida.
El individuo fotografiado, la modelo, en definitiva el cuerpo expuesto, en Mariana tiene una particularidad: la artista se vale de modelos “no profesionales” para materializar su obra. Y ese es el punto, se materializa, esto es, se hace objeto un cuerpo “donado”. La fotógrafa selecciona individuos no profesionales que son capaces de representar el papel del fetiche sin ningún afán comercial, por lo tanto no hace más que reafirmar que el estereotipo “está en cualquier parte”; en una palabra, el objeto estético ya está en la sociedad, sólo hay que tomarlo prestado.
Texto (editado) de Felipe Baeza.

Fotografías de Sady Mora

2010-05-26T12:45:00.000-07:00

Serie: "Sitios en tránsito"
Sady Mora G. es Fotógrafo, Integrante Colectivo Concepción F.

Ballenera Chome, costa de la provincia de Concepción.

Transformación del territorio, memoria y abandono. Un proceso que devuelve el lugar, al origen natural de su conformación. Un paisaje de tránsito y expresiones del tiempo en el espacio.
Lugar, que tuvo una fuerte actividad comercial que por presiones internacionales, ambientales y políticas durante los años 70, cerró sus instalaciones abandonándolas en el tiempo. Aun así, en estas ruinas sitiadas por la naturaleza, se hallan las huellas de quienes permanecieron en el lugar, olvidados y encarando el paisaje hostil de los elementos del océano.
Reflexión, registro y dimensión del territorio, a través de lugares que albergan y exponen la evidencia del albor, transito y ocaso de los sitios y destinos de quienes habitan sus espacios.

Escenarios espaciales que revelan una lógica de contextos naturales y temporales que expresan la existencia de nuevas matrices y significados atemporales.
Texto: Sady Mora G.

Fotografías de Norton Maza

2010-05-26T12:08:00.000-07:00

Serie: El delirio de los sabios.
http://www.bendana-pinel.com/fr/shows/2009/009/

Las maquetas fotográficas de Norton Maza continúan la línea iniciada en la serie “Estudio de una sinfonía del eterno poder”, aquí presenta seis nuevas escenas emblemáticas del horror cotidiano al que nos acostumbramos peligrosamente. Sea esta la devastación en Gaza, o las especulaciones de la bolsa americana, los temas desarrollados describen el trayecto de una moralidad tácitamente aceptada, a una inmoralidad que hoy en día es incapaz de esconderse de sus propias pruebas.
A partir de juguetes, objetos encontrados, recuperados o fabricados por el autor que los instala en sus maquetas, Maza construye una parodia de identidades que utilizan la hipertecnología reinante con el deseo de imponer su poder. El instala de esta manera un discurso que trata a la vez de la fragilidad de las víctimas y la precariedad de los agresores. Original, cargado de humor, este trabajo es una denuncia sin nombre, de los sistemas de poder que rigen a la sociedad contemporánea. "

Fotografías de Sebastian Mejia

2010-05-19T15:01:00.000-07:00

Serie: Domesticus/ Domestics
http://sebastopolphoto.blogspot.com/

Siendo criados como seres urbanos, hemos crecido añorando la naturaleza, un sentimiento que proviene de nuestros ancestros cazadores y recolectores. Los paisajes que hoy consideramos bellos son un recordatorio de los lugares que podían proveer alimento y albergue. Nuestra convivencia con árboles y plantas de la ciudad nos acerca a revivir ese tiempo, en el que nuestra vida dependía del contacto directo con la naturaleza. Mi propósito es explorar la relación simbiotica de la naturaleza y el hombre en el espacio urbano. Ver como los citadinos la ahuyentamos y al mismo tiempo tratamos de reinsertarla en nuestros hogares, jardines y espacios públicos. Este juego de resistencia y conquista, crea una apariencia en particular, obligada a acomodarse en la ciudad, cuyo tamaño y forma son recursos de adaptación a las exigencias urbanas. Texto: Sebastian Mejia.

Fotografías de Celeste Rojas

2010-05-19T14:23:00.001-07:00

Serie: Moteles

Sección de objetos perdidos

Los ves soñando un sitio donde encontrarse?
Como en un espejo las cosas que perdimos
en lugares públicos ya no son nuestras
sólo algo que dos empleados archivan y clasifican
por ejemplo, la idea del amor se quedó
allí en un anillo un reloj o un mapa de Santiago
y nadie jamás reclamará por ellas. Poema de Giovanni Astengo

Fotografías de Marcelo Munch

2010-05-07T09:44:00.000-07:00

Serie: Rojo Británico

Roland Barthes lo habría dicho, ''La Fotografía es una nueva forma de alucinación, falsa a nivel de la percepción, pero verdadera a nivel del tiempo''.
El título no tiene traducción, “Rojo Británico” es un intento, una recopilación de actitudes y gestos tan universales como una fotografía, y tan disímiles como la entonación de una palabra; el rojo no va tras del color, sino del carácter, el rojo es un accidente y un guiño, casi un ínfimo punto de inflexión.
La serie es también un registro último, luego de haber residido cinco años en Inglaterra, y es un intento de homenaje a la antigua tradición de la “fotografía de calle”, ("street photography"). Texto/Marcelo Munch.

Fotografías de Jorge Gronemeyer

2010-04-30T13:42:00.000-07:00

Serie: URBE

Antes de comenzar el trabajo ya tenia claro que en lo formal, la referencia seria la fotografía arquitectónica y la topográfica (como fotografía aplicada) y la estrategia conceptual estaría basada en el urbanismo y en la historia del genero paisaje. La ciudad presenta un interesante paisaje y una problemática urbana con la cual trabajar.
Mi interés se enfocó en la dualidad Renovación urbana /Deterioro (ruina) en el centro de la ciudad, registrando específicamente las fachadas, que dentro de un mismo encuadre, al ser casas contiguas, presentan los dos estados confrontados.
El proyecto implicaba la producción de obras fotográficas de gran formato, estructuradas en series (Serie principal “Fachadas”, “Serie de Contexto” y “Serie de Complemento") que en conjunto conforman una particular visión como ciudad y una reflexión más general de las problemáticas en las urbes contemporáneas. Texto;Jorge Groenmayer.

Fotografías de Paloma Villalobos

2010-04-27T07:51:00.000-07:00

“El misterio me invade”
www.palomavillalobos.com

Estas 4 imágenes son parte de la última serie que he realizado, la cuál será presentada en la muestra individual “El misterio me invade” en Galería AFA durante Junio 2010. Estas fotografías están realizadas a partir de escenarios ficticios que parecen ser parte de la naturaleza y de su accidentado devenir. Los escenarios se arman con trozos de objetos y vegetales recogidos por distintos lugares. La ambientación, la luz, los colores y los efectos de las fotografías están realizados en el momento de la toma, las imágenes no presentan manipulaciones posteriores, sólo recrean escenas posibles de la naturaleza -en este caso bajo el agua o hacia el cielo nocturno- con efectos creados por la iluminación y ciertos elementos puestos al mismo tiempo en un juego fotográfico. Paloma V.

Fotografías de Cata de la Cruz

2010-04-19T12:45:00.001-07:00

“Camino por la ciudad. El paisaje urbano es una gran estructura parcialmente lógica, funcional, resuelta, donde todo tiene su orden y fin; circulamos por espacios colmados de estímulos, desbordados por cientos de miles de imágenes, objetos, sonidos...un lugar donde la humanidad se empequeñece antes las escalas. Este paisaje con el que me enfrento, del que soy partícipe, con el que "debo" dialogar desde mi racionalidad y conciencia, es un espacio que abruma, genera indolencia, sin sentido, que adormece.
Camino por la misma ciudad que es otra, otro paisaje urbano que veo, escucho, y no puedo definir; que parcialmente como de forma encubierta, me traslada a otras dimensiones, abriendo los campos de la percepción, las emociones, la memoria. Remeciendo la capacidad de sentir alguna clase de placer fantástico, vital e innombrable. Este otro paisaje urbano se despliega a partir de sutiles detalles, elementos descontextualizados de su funcionalidad, desde su razón; imágenes que quedan suspendidas en mí como experiencias intrasensoriales. Otro paisaje urbano siempre efímero, siempre mutando, siempre determinado por el azar y la infinita relación de sus breves partes, fragmentos, las emociones y sentido que les otorga cada "espectador". Texto Cata de la Cruz.

Fotografías de José Carcavilla

2010-04-12T10:36:00.001-07:00

Interpretar, recuperar, crear un nuevo significado al espacio en el cual hemos vivido, soñado y nos hemos ido constituyendo en entes y reflejos culturales de un territorio común.
El paisaje contemporáneo es mentalmente re-definido, re-construido periódicamente a través del arte y son estas nuevas miradas que nos hacen contemplar el presente y mirar hacia el pasado, desde una posición que nos interroga y sorprende.
El lugar que ha sido el hogar de nuestras experiencias emocionales así como culturales: la casa, el patio, la cancha de fútbol, la cocina, la calle, los amigos, la familia, aquí es recreada mezclando y cruzando la nostalgia y un extraño sentido tragicómico de nuestra cotidianidad.
Existe belleza, humor y algo de fresca y vital irreverencia en estas series sacadas del álbum familiar de José Carcaville. M Adaro.

Fotografías de Fernando Rosa

2010-04-02T10:07:00.000-07:00

SERIE: " Santiago ciudad de metáforas y ritmicas del sinsentido"
33 fotografías.

El conjunto de fotografías exhibidas se pueden sintetizar reconociendo las bases de su proyecto visual. Es decir, una investigación panorámica que se centra en Santiago de Chile, no como centro del poder, sino como emplazamiento sobre el paisaje. Por esto, la propuesta del fotógrafo Fernando Rosa, esconde una preocupación por el diseño simbólico urbano: ¿qué es una ciudad joven, una metrópolis?, ¿cómo se estructura su paisaje?, ¿Qué matrices simbólicas organizan sus polos vitales?
Las respuestas a estas preocupaciones, conforman unas tipologías fotográficas específicas. Los planteamientos visuales se sostienen en dos constataciones: la primera, una insistencia del orden y los ritmos que enmarcan la expansión horizontal y vertical por medio de carreteras, calles, edificios, transportes, etc.; la segunda, la reiteración desde una mirada panorámica que ruptura los estereotipos que se han tejido en la representación de la capital de Chile, descentrando sus lugares de prestigios. En otras palabras, este riguroso ejercicio fotográfico documental, es parte de un scanning postmoderno, pues enfatiza sobre todo la superficie del paisaje intervenido como un continuum. Es también, una metodología de observación, pero en particular de tensión, pues se van borrando las perspectivas ideológicas de la modernidad constreñidas en las relaciones entre centro/periferia; ahora se van organizando campos visuales que se desplazan y sobreponen como sedimentación e hibridismos urbanos; donde los suburbios como el centro histórico asumen un igualitario rol protagónico.
Estás fotografías conservan la definición de Marc Riboud de constituirse en momentos preservados que testimonian la ciudad en transformación, claramente la geometría entrega una ordenadora matriz común, frente al caos de los puntos de fuga presentes en una ciudad viva y fuertemente contradictoria.
Paul Virilio plantea que la fotografía aproxima por la imagen una nueva percepción del paisaje. En efecto, si recordamos que el paisaje es una idea o punto de vista sobre la geografía, el paso desde el valle de Santiago hacia los constituyentes urbanos que hoy los conforman, es un acabado modelado final de múltiples fragmentos. En resumen, una visión sinóptica que agrupa y una visión sintética que focaliza por lo rítmico.
Sin embargo, la casi ausencia de personas, hacen de estos paisajes y espacios capturados una historia y una memoria comprimida y deprimida. A pesar que el paseante como la fotografía, en Walter Benjamin, transforma lo cambiante de la ciudad en belleza, esto no ocurre en el trabajo de Fernando Rosa. Pues las imágenes de este autor, aspiran metafóricamente a ser “escenografías del vacío del progreso”, sino símbolos de una lustrosa deshumanización. En efecto, Santiago asoma como espacio yermo donde los seres humanos buscan ser parte compensatoria, una urbe como proscenio fantasmal que niega muchos sueños ciudadanos.
En fin, las fotografías son panorámicas demoledoras de tanta pérdida maltratada del sentido: del espacio público, de la belleza. Texto (editado) de Gonzalo Leiva.

Fotografías de Cata González

2010-03-27T04:45:00.000-07:00

"Cosmorama de una frontera digital: habitar la imagen distópica"
Artefacto de convivencia

Espacio Disponible

Territorios ocupados

Al recorrer la obra de Cata. González, percibimos dos momentos, aquel de encuentro, de reconocimiento, y luego, ese descalce o unheimlich, donde se revela lo ajeno, donde aquello que nos parecía conocido resulta impenetrable y provoca una distancia cercana al recelo. La posibilidad de ser de cada imagen y su ambivalencia tensionan aquel sentimiento, un estado de suspensión, un paréntesis, un punto de quiebre que ilustra el instante preciso del desprendimiento, la separación de sus personajes de la realidad circundante.
La obra de Cata González, se construye desde esa ruptura, niños y adolescentes habitan espacios, territorios ocupados de víctimas de una prolongada indiferencia. El habitar ya no es posible, sino solo el tránsito del espectador que recorre la sala y se enfrenta a los lindes de su realidad. Cuatro paredes que contienen y acogen la obra. Desde ahí es desde donde comienza su significado, la frontera entendida no como margen sino como lugar donde surge todo lo que en su esencia habita esa frontera. La obra se adueña del lugar, elabora una narrativa en la que una realidad urbana es exacerbada por medio de una serie de imaginarios, meticulosamente armados, donde todo yace donde debe. Irrealidad perfectamente labrada. Una imagen que es muchas imágenes, que se enmarcan y desbordan en su condición de posibles.
De esta manera, en la construcción de a obra, el fotomontaje es el medio, pero también parte de su esencia, la evidencia de una realidad construida, pero más que nada una toma de posición que se traduce en una imagen subjetiva, una plataforma posible, un futuro alternativo. El fotomontaje se vuelve un instrumento que busca recomponer una realidad deconstruida supeditada al metarelato de la tecnología. Busca unir parte a parte estas construcciones distópicas, artefactos de convivencia, prótesis que posibilitan el habitar y que contienen esa intimidad de la que sus personajes carecen.
Nos enfrentamos en este conjunto de obras a una alegoría del paisaje, ficción del espacio social, imagen sintomática del mundo contemporáneo y sus disputas ideológicas. La presencia de elementos Islámicos, que descansan en el imaginario de occidente se han convertido prácticamente en sinónimo del conflicto bélico en el medio oriente. Su potencia estética los convierte en elementos visualmente seductores y exóticos que nos compelen a venerarlos. Ponen de manifiesto la idea latente de un escenario de post guerra, una guerra mediática, una guerra que se nos escapa, pero sin embargo deja ver sus huellas, la sacralidad de su significado y cómo eso reescribe y reestructura las lecturas de toda realidad o futuro posible.
Finalmente nos enfrentamos a una obra que en su pulcritud nos arroja a la desolación y el vacío, al silencio siniestro, de cuando no hay ideal posible, solo un espacio disponible, desolado y dispuesto para ser rehabitado. En medio de las ruinas contemporáneas, la imagen distópica se acentúa en este choque implacable de momentos, de estados y de contradicciones, entre lo posible y lo perdido, entre la posibilidad de construir y el impulso de ceder. Cada fotografía capta un momento preciso, donde no hay vuelta atrás, alea jacta est. Texto:Constanza Robles

Fotografías de Manuel Morales

2010-03-19T09:23:00.000-07:00

Terremoto, ciudad de Concepción. Marzo 2010.
Manuel Morales hace parte del Colectivo "Concepción Fotográfica".

Fotografias de Kurt Petautschnig

2010-01-31T04:21:00.000-08:00

SERIE: 6.25mt

En los últimos 10 años, el fenómeno migratorio ha tenido un considerable aumento en la realidad chilena. Producto del gran número de inmigrantes (la mayoría procedentes desde el Perú) queda manifiesta la incapacidad del estado de abordar la situación, siendo el lugar de acogida y trabajo; la calle.
Debido a las prácticas discursivas de los medios de comunicación contra la comunidad peruana, más el rechazo de los vecinos del sector Plaza de Armas en contra de los inmigrantes que comerciaban en la calle, la Municipalidad de Santiago determinó enviarlos a un mercado olvidado y casi abandonado en los márgenes de la comuna, como solución y respuesta.
Fueron doblemente marginados. Simbólicamente la calle ya es el lugar del desplazado.
Ahora ellos disponen de 6,25 mt. cuadrados para constituir dentro de esas dimensiones sus anhelos de una vida mejor, en los márgenes de la comuna.
Texto Kurt Petautschnig.

Fotografias de Celeste Rojas Mugica

2010-01-23T05:06:00.000-08:00

Serie: Lodeellos (trabajo en desarrollo)

“Lodellos” es el título de una serie de imágenes que no tienen mayor objeto que el de retratar a quienes constantemente o en algún determinado momento han compartido conmigo la vida diaria.
No hay en estas fotografías una búsqueda por hacer de nosotros, los jóvenes, un fenómeno más comprensible, supongo que ni siquiera hay demasiadas razones válidas por las que se suela en ciertas ocasiones denominarnos “incomprendidos”. Estas imágenes no tienen aspiración mayor que la de transitar por el cotidiano más simple de una serie de personas que no tenemos demasiado que contar, pues posiblemente no haya nada que tengamos absolutamente claro.

Suelo – o solía – reunirme con ellos la mayor parte del tiempo a “pasar el rato”, aquel que muchas veces consiste en quizás solo observarlos incansablemente por unas horas mientras conversamos o compartimos el descanso perpetuo luego de noches agitadas donde pareciera, por el estado posterior de nuestros cuerpos, que hubiésemos dejado la vida; me atrae observar sus lánguidos cuerpos despojados de toda actividad, entregados completamente al extraño goce de no hacer nada.

Es este posiblemente el trabajo más sincero que pueda llegar a hacer jamás en mi vida y es sin duda el único que no dejaré de construir nunca, pese al paso del tiempo y todo lo que con él pueda venir, pues es y será también todo eso.

Fotografías de Margarita Dittborn Valle

2010-01-18T13:52:00.000-08:00

SERIE: Exótico

“Exótico” es un proyecto que profundiza en el imaginario que tuvieron los europeos respecto a América durante el período de los descubrimientos y las conquistas. Los fotomontajes se basan en imágenes de grabados creados, la mayoría de ellos por ilustradores europeos que jamás pisaron el continente americano, trabajados a partir de historias inventadas por los viajeros y reseñas sobre América que no se sabe en qué parte de la historia fue realmente que se tergiversaron tanto.
Texto:Margarita Dittborn

Fotografias de Manuel Morales Requena

2010-01-09T05:26:00.001-08:00

Serie: Besones y Dormilones
Manuel Morales Requena hace parte del Colectivo Concepción fotográfica.

Las fotografías de Manuel Morales me develan ese estado/espacio, intimo/personal, del placer atrapado "in fraganti", o la cotidianidad de una acción tantas veces ejecutada y repetida, que por ordinaria pareciera perder su sentido.
Pero al encontrarme como una vogerista mas, contemplando como en un espejo de mi propia existencia, reviene a mi inconsciente esa frase celebre del "instante decisivo".... del tan afamado fotógrafo.
Que es un instante? algo robado y extraído, aquí el deseo de la propia boca, la nostalgia de un pasado o la certitud de un presente; tanto representa una imagen cuando en ella vemos lo mas esencial y simple de nosotros mismos,
tanto valor posee cuando su valor lumínico es como una metáfora, los jóvenes se besan y entregan sin tapujos y otros han sido encontrados in situ, entregados a los brazos de Morfeo sin mas estéticas, sin mas maquillajes y sin mas escenarios que la realidad y vida misma. Texto: Mane Adaro.

Fotografías de Rodrigo Gomez Rovira

2010-01-07T06:43:00.000-08:00

Serie: Patagonia

Estoy todavía a la búsqueda de la identidad en fuga de mi mirada. Yace diseminada en algún lugar indeterminado entre dos puntos geográficamente reconocibles:
Chile y Francia. Nací en el primero, crecí en el segundo. He vuelto después a
mis presuntos orígenes pero sólo para descubrir que me olvidé de lo que fue
primero: Latinoamérica o Europa.
En que lugar abrí los ojos? ?Donde fue que aprendí a mirar? Navegante incierto entre esas dos aguas, especulo sobre el lugar exacto.
Ya no es un punto sino una línea. Una raya en el agua, la barra de un equilibrista. En esa cuerda floja me sitúo para mirar y construir mis imágenes. RGR. Texto extraído desde el libro Fotografía Chilena Contemporánea 01/CNCA 2009.

Fotografías de Cristobal Barrientos

2010-01-07T03:00:00.001-08:00

Serie: Retratos Verdaderos
Cristobal Barrientos hace parte del colectivo Concepción fotográfica.

Vemos la fotografía como una referencia visual al ente real porque la imagen resultante denota características reconocibles del objeto original capturado. Se produce una construcción instantánea de asociatividad entre lo fotografiado y la fotografía como objeto. El retrato es un esfuerzo por enfatizar esa relación. Pretende interpretar la forma original, el objeto del acto fotográfico, de una manera que sea reconocible por el observador final. Se persigue que éste logre la identificación, y mientras más fácil sea este proceso, más válido es. Sin embargo, existe un instante en que esa relación objeto-reconocimiento, de formación casi instantánea, recién empieza a formarse y carece aún de una validación cierta, existe la sensación de la presencia como un todo, apenas identificable, algo común a todos los rostros, la figura sobre un fondo; algo vivo que empieza a tomar forma. Esta serie es un esfuerzo de ver a personas únicas como algo más que una cara irrepetible. Como algo que se repite en todos nosotros. Una presencia que va más allá de la visualización obvia. Cristobal Barrientos.

Fotografias de Hector Gonzalez de Cunco

2009-12-28T06:45:00.001-08:00

Serie: "Comarca de ausencias" Fondart 2008
http://www.youtube.com/watch?v=QjRJ6BaOIAI

Estuve casi 30 años sin visitar Chile, viviendo a caballo entre Sevilla y París. Pero desde el 2005 paso largas temporadas en la comarca donde quedó dispersa mi infancia. Todo ha cambiado, claro. Hace mucho que arrasaron los bosques. No hay pesca porque la industria salmonera ha contaminado los ríos. El ferrocarril ya no existe, un incendio se tragó el edificio de la estación y llegué justo cuando se estaban llevaban la línea del tren. Encontré un Cunco empobrecido, donde la identidad local escasea; la conciencia histórica no existe y los jóvenes ignoran el pasado maderero y ferroviario. Ahora, en “el pueulo” reina la postmodernidad: tiene dos supermercados, mucho asfalto, un ciber de primer mundo y cada “cuncuno” anda entrampado con varias tarjetas de crédito. Pero no encontré ni una mísera foto donde consolar las nostalgias o confirmar mis recuerdos. Conmovido, comencé a retratar mis propios fantasmas para construir una colección de imágenes que me ayudasen a recordar. Ahora, antes de volver a partir, quiero que existan muchas fotos de la vida cotidiana ¡esas que tanto eché de menos al volver a esta comarca de ausencias!
Texto: Hector Gonzales de Cunco

"La Imagen es Palabra Poética, en ella nos quedaremos, es decir, en el corazón de los que amamos y nos aman…, y en estas fotografías. Mas, en ambos nos iremos borrando: poco a poco"
Rume mañvm ta ñi kvme wenvy Héctor González.

Extracto del Texto Comarca de ... por Elicura Chihuailaf Nahuelpan
Temuco, Región Mapuche, Luna de los Frutos

Fotografias de Patricio Valenzuela Hohmman

2009-12-17T08:28:00.001-08:00

Serie: Animitas
http://www.photoshelter.com/c/southcone

Adornan las carreteras con su colorinche presencia, recordándonos que la muerte
esta siempre ahí como parte del camino, un viaje con punto de partida pero sin arribo,
ni retorno....El negro Juan "Chalaman", camionero, "Samuel Zamora", taxista, un
"condominio" en un cruce perdido de la 2 región, muchas otras sin nombre;
desaparecidas las familias y amigos que les recuerden ya no se renueven sus colores,
peluches, chiches y fotos; se desvanecen bajo el clima inclemente.
Otras tienen mas suerte; lo camioneros tocan la bocina al pasar, piadosas señoras plantan arboles que los viajantes riegan, banderas de equipos futboleros recuerdan el club de los amores, manos que se persignan y para glorificar a las elegidas una que otra plaquita recordatoria "gracias por favor concedido"......... De pequeño me preguntaba si el muerto estaría realmente enterrado ahí, al menos una parte lo esta; el abrir y cerrar de ojos, el golpe terrible, el ultimo suspiro, el dolor de familiares y amigos transformando en cariño para que todos los pasantes tengan presente a la muerte, su dolor, su recuerdo.
Estas imágenes son parte de un trabajo en curso que desde mediados de 2008, pretende realizar un "registro" de animitas. TEXTO: Patricio Valenzuela Hohmann

Fotografias de Fernando Melo

2009-12-15T09:43:00.001-08:00

Fernando Melo hace parte del colectivo "Concepción fotográfica"

Compendio y documentación en torno a lo otro. Solo residentes.

Este trabajo fotográfico aborda principalmente el paisaje, paisaje que es proyectado como una prolongación del jardín familiar, aquel espacio de dimensiones relativas y modificables a voluntad. El jardín contenedor de materia, lo vegetal, de espacios relativos, micro geografía expandible. A ratos este espacio puede ser el mundo de la miniatura ( que podría alimentar el pensamiento imaginante, citando a Gastón Bachelard ) territorio que se construye desde fragmentos de memoria, realidad e imaginación, donde es posible proyectar algún un territorio que sólo " los residentes " puedan captar y entender desde el conocimiento mas íntimo, desde la soledad y ausencia de los artificios .
Esta obra es producto de experiencia única como trazos de existencia, cruzado y agenciado ahora en la madurez de la convivencia con la fotografía.

…llevo mucho tiempo tratando de salir de aquí, a veces creo
encontrar una posible salida en los pasillos y conexiones que conforman este espacio, pero de nuevo la frustración me envuelve hasta el punto de la más extrema angustia y desesperación. A momentos creo llegar a los confines de este sitio de horizontes inundados que parecen no terminar…luego vuelvo a los pasillos con esa sensación constante, helada y húmeda. Un agua turbia hasta mis tobillos no me deja. A ratos busco alguna elevación que me permita salir del agua. En cuclillas siento esa brisa que a veces es un viento de olor óxido que todo lo inunda .
No hay ciclos del día a la noche, la luminosidad es constante y tiene la atmósfera de aquellos días de invierno después de las tormentas o antes de ellas, cuando el cielo transforma sus grises por colores filtrados entre la densidad de nubes que se abren, solo que en mis recuerdos esos días evocan un ambiente de especial estado, casi irreal, ligado a la belleza de un encantador cuento de cielos con rayos que atraviesan nubes densas a punto de caer…sin embargo, en este lugar el ambiente verdoso y gris encierra … ya no estoy tan seguro de que el tiempo pase… o estaré suspendido en un segundo eterno.
Texto de un extraviado en el sitio. Fernando Melo.

Fotografias de Marco Fredes

2009-12-05T12:34:00.001-08:00

http://www.marcofredes.com/
Serie: Cuasimodos

Cuasimodo es una fiesta religiosa que nace en el período de la Colonia en América. Durante esta celebración, los sacerdotes de la Iglesia Católica recorren las calles y caminos del valle central de Chile con el objetivo de llevar la comunión a los hogares de los enfermos. Esta fiesta religiosa se realiza el domingo siguiente a Semana Santa.
En el siglo XIX, el sacerdote debía desplazarse en carruaje por los campos y en su trayecto era víctima de asaltos y robos. Por ello, fue necesario que destacamentos de gente común del pueblo, cumplieran con la misión de escoltar al párroco en su trayecto, se les llamó cuasimodistas.

Estos “cuasimodistas”, son jinetes a caballos con pañuelos en sus cabezas e indumentaria para la ocasión, portan banderas y cuadros religiosos. Son quienes cuidan y escoltan al párroco hasta el final de su trayecto. Muchos fieles se levantan temprano para acompañar el paso de los “cuasimodistas” en su visita a las casas.
En su paso por los caminos, los “cuasimodistas” entonan canciones religiosas y en todo momento acompañan al sacerdote.

Este trabajo fotográfico lo he realizado entre el año 2003 y 2007 en localidades rurales de Lampa, Noviciado y Colina, ubicadas en las afueras de Santiago de Chile.
Marco Fredes.