Carolina Redondo

"POINT OF VIEW" http://www.carolinaredondo.com/






















Mi trabajo incorpora una variedad de medios incluyendo fotografía, video e instalación. Mi práctica explora el ser, una presencia humana en relación al espacio. Me interesa la noción de in-betweenness of being, que se refiere específicamente al sentido de estar entre dos países, mentalidades y culturas diferentes - la chilena y la alemana. Unido a muchas formas sobre la experiencia de la migración e interculturalidad, me encontré viviendo en un espacio liminal, que se refiere a una condición espacial y temporal. Esto es una experiencia que evoca una transición donde todo está en un estado de cambio y transformación, donde la estabilidad está ausente. Este principio levanta preguntas sobre identidad, pertinencia, desplazamiento y sobre el sentido de lugar. Cruzando y testeando percepciones estéticas y ampliando mi investigación acerca del concepto de borde, analizo el paso intersticial de in-betweenness, donde el cuerpo está suspendido en un lugar de límites, presente y ausente. Ubicándome en privado, realizo efímeras performances que representan situaciones que aluden a Sisifo. También a una condición que se relaciona a deseos, miedos, fantasías y a una constante lucha. Incorporando materialidad al acto performativo, trabajo con conceptos de abstracción, contraste y camuflaje. Mi Obra reflexiona la dinámica del poder femenino, en acción y movimiento a través de diferentes superficies y capas. Me interesa describir encuentros entre la forma del cuerpo y entornos naturales –artificiales, estructurando y reduciéndolos a concretamente a formas y colores.

Intento hacer más tangible la experiencia de interculturalidad, percibiendo dualidades y contraposiciones - fuerzas que están en constante batalla. Busco conexiones, crear diálogos entre éstas fuerzas, y así encontrar un momento de certeza. El arte es un instrumento de descubrimiento no sólo para aproximar y articular mi propio espacio liminal, sino también como un modo de vínculo al espacio liminal existente en otros. Con mi trabajo busco un entendimiento de éste espacio liminal y generar cuestionamientos al conectar mi cuerpo, materialidad y entorno a través de gestos individuales visibles y activos.
El 2009 realicé una serie de trabajos incluyendo fotografías y video llamada Put Yourself Together. La serie fotográfica “Point Of View” fue realizada en la Isla de Pascua.

“El humano es una señal coloreada en el paisaje. Él puede derretirse con el entorno, él puede ocultarse en ello, y él también puede distinguirse de ello. La artista chilena Carolina Redondo investiga la integración, con la vida y la no vida en un ambiente peregrino”. Malina Opitz, Kölner Stadt- Anzeiger, Cologne.

Alejandro Olivares

LIVING PERIFERIA

Isabel M. Martinez

HORIZONTE (3)
http://www.immartinez.com/07%20-%20Horizon%28x3%29/H%28x3%29.html














En el proyecto Horizon (x3), mi intención es investigar el rol que juega el paisaje en nuesra percepción del tiempo, y explorar su línea del horizonte como la línea de tiempo en la se despliegan los eventos. Busco reconstruir los primeros momentos que siguen al encuentro con un espacio vasto. Miramos alrededor, planeamos de lado a lado y así nuestra mente forma una idea de paisaje. Pronto nos damos cuenta que la imagen está en constante cambio; el viento sopla, un pájaro vuela, las nubes pasan. Mi trabajo se concentra en composiciones elementales de agua y cielo, donde la línea del horizonte es clara y continua. Esta línea se convierte en el axis a lo largo del que se plasman los movimientos.
A través de yuxtaposiciones y el uso de capas, mis obras ofrecen una illusion de continuidad que evoca a la tira de película cinematográfica. La variedad de formatos en que el paisaje es fotografiado, otorgan un sentido de fragmentación y simultaneidad en la vista panorámica, esto me permite construir una noción de espacio que incorpora al tiempo como un elemento activo. Mi objetivo es explorar nuestro posicionamiento dentro de estos ambientes, para develar las narrativas implícitas y capturarlas a medida que se manifiestan. Texto I.Martinez.

Soledad Pinto

http://www.solepinto.com/index.html
Ahora (2010), No Longer, not yet(2010),Now (2010),Landscapes Translations (2007).





























Mis obras buscan la recuperación de atmósferas de territorios perdidos. Para ello realizo diversos ejercicios en los que yuxtapongo diferentes espacios, objetos e imágenes en un solo lugar, con el fin de explorar cómo estos desplazamientos revelan aquellos micro-procesos donde la solidez de los límites que orientan nuestra experiencia son desafiados de maneras casi invisibles.
La base de mi trabajo es la acumulación y ensamblaje de capas de tiempo y materialidad, producida a partir de medios como la pintura, la fotografía y la serigrafía. Siguiendo estas preocupaciones, mis obras recientes han abordado los temas del paisaje, ruinas urbanas y objetos en desuso.

Trabajos relacionados con el paisaje, tales como Infiltration (2009) e In Situ (2007), incluyen acciones de superposición y yuxtaposición que subvierten las connotaciones del espacio de exhibición. Estas obras exploran la firmeza simbólica de la tensión entre interior y exterior, al tiempo que proponen observar la ambigua colonización de un término sobre el otro. En este sentido, Infiltration (2009), por ejemplo, surge de la pregunta: ¿es el exterior el que penetra ilegítimamente la interioridad de la muralla o es el interior el que silenciosamente se escabulle hacia el afuera?
Nociones de traducción y reterrritorialización son el punto de partida para trabajos que utilizan serigrafía. En proyectos tales como Landscape Translations (2007) y Ruined (2009), utilizo la capacidad de producción del medio para reconstruir el espacio después de su reconstrucción visual. Estos trabajos apuntan a restaurar la materialidad de los espacios originales a través de la repetición masiva y acumulación de imágenes, llevando a cabo un acto de reterritorialización que metafóricamente vuelca el espacio de exhibición desde adentro hacia fuera.
Preocupaciones similares motivan Inside Out (2008), donde exploro más allá de la serigrafía tradicional, utilizando una técnica llamada “devore”. Haciendo uso de un químico que quema fibras específicas de telas mixtas, creo transparencias que permiten vislumbrar el espacio que hay detrás de la obra. La imagen final es un volumen que se construye por la oscuridad proveniente desde ese espacio y las fibras que permanecen intactas. Mi propuesta aquí es leer la superposición del espacio representado y del real como un “test” a los límites de ambos.

En proyectos recientes, tales como Ahora (Now) y No longer, not Yet (2010), exploro lo que he llamado la ‘ontología de la ruina’. Defino esta ontología como la ausencia del volumen original, una pérdida constitutiva que, paradójicamente, llama por su reconstrucción/re-invención a través de la exploración del movimiento inverso a aquél del deterioro. En estos proyectos propongo considerar la ausencia de fisicalidad en el presente como el punto de partida para la reconstrucción. La idea es invertir las dimensiones convencionales de tiempo y espacio que definen a la ruina como ‘pasado’ o ‘el sitio del cual la vida ha partido’. Me interesa revelar la particular ambivalencia de este lugar donde los límites se disuelven constantemente y en el que coexisten la presente presencia del pasado y el posible futuro del presente. Concretamente, estos trabajos utilizan fragmentos de edificios y objetos como modelos que gatillan la generación de nuevos volúmenes a través de la repetición, el pliegue y el ensamblaje de papel impreso (láser y serigrafía). Soledad Pinto

Fotografías de Nicholas Ian Jackson V.

Serie: Lo de San Juan























¿Es posible fijar fotográficamente la identidad de algo? Este proyecto, fuertemente influido por la Nueva Objetividad Alemana, especificamente August Sander, busca capturar en el tiempo-espacio la identidad del pueblo de San Juan, ubicado en la isla de Chiloé.
Los pilares de este trabajo son fijos y se traducen en un idéntico método de aproximación a cada individuo que se encuentra en el camino: se tiene fé en un método, se deja libre a lo que se le aplica.
Lo de San Juan juega con la paradoja de la objetividad y cree que alejándose de lo en si se capta la identidad con mayor pureza: el orden tipológico entrega mayor información de los objetos. Este trabajo también cree en el retrato universal, modo de aproximación del arte visual que no solo se aplicaría a cuerpos y rostros humanos, sino a cualquier objeto: el acto fotográfico encausado como retrato guía todas las tomas.
Tomando como base estos fundamentos, Lo de San Juan levanta imágenes que hablan de los rasgos que una comunidad esboza en su pueblo, y quizás pueda, de algún modo, describir y proyectar la identidad de ese lugar. Texto Nicholas I.J.